"La
arquitectura es como una escena de una película donde la historia es la vida,
el guión es dictado por el uso de los edificios y los actores son los
habitantes. Un laberinto donde todo - personajes, director, espectadores - se
pierden y se reencuentran en la intensidad de sus emociones"
- Federico Babina
¿No es acaso el director de
cine el arquitecto de su filmografía? Bueno, filosóficamente hablando eso se
puede aplicar a casi cualquier aspecto de la vida, pero como estamos hablando
de cine, creo que sería pertinente dejar claro que sin importar que un cineasta
sea “autor” o “artesano” está construyendo una casa metafórica que será
conocida como su filmografía. Los dibujos hechos por Federico Babina que
presentaré a continuación, tienen rato en mi posesión, pero decidí acompañar
con algo referentes a cada una de las exóticas casas para un análisis más
enriquecedor. Ya conocía gran parte del trabajo de algunos de estos cineastas y
al menos las características de algunos; no negaré también que algunos me eran desconocidos
del nombre. Es una lista bastante variada y como siempre, ni son todos los que
son ni son todos los que están; una casa diseñada por los arquitectos David
Cronenberg, Jan Svankmajer, Terry Gilliam o Akira Kurosawa son de las que
mayores ausencias, también algún director latinoamericano, para este ejercicio
en partículas no hubiera estado mal una casa de Guillermo Del Toro por ejemplo,
independientemente que nos guste o no ¿Qué otra obra arquitectónica del cine te
gustaría ver? ¿Por qué?
Aquí el trabajo realizado
por el artista italiano y su página:
Abbas
Kiarostami
Por Jorge Le Brun
Por Jorge Le Brun
El más conocido cineasta que
haya nacido en Irán, el más polémico de su país (teniendo en cuenta las
restricciones casi imposibles y la atmósfera general de represión en Irán en
los últimos 30 años), y uno de los que menos conozco; evidentemente (y
afortunadamente) yo no soy la vara para medir el reconocimiento internacional
del que goza el día de hoy Kiarostami, todo un rockstar de los festivales de
cine. Una de las características de este director es del desarrollo del “cine
dentro del cine”, juega de forma continua con la ficción y el documental
convirtiéndolos en algo distinto a su dicotomía. Como se ve en el largo camino
de su casa, los planos largos con conversaciones y caminatas (aunque gusta
mucho de las pláticas en automóvil) es una de sus marcas, los largos shots
panorámicos son otra de sus características, según los auténticos expertos de
este cineasta sus películas están cargadas con una profunda espiritualidad
filosófica y logran fotografiar la poesía persa; un claro ejemplo de ello puede
ser la imagen del árbol que está en la casa de la imagen, es una referencia a
la película El sabor de las cerezas
(1997) en donde hace un homenaje a Fresas
silvestres (1957) del gran cineasta Ingmar Bergman.
También ha dirigido algunos
documentales, entre los que podríamos destacar un encargo de la ONU, ABC Africa (2001), en el que habla de UWESO,
una iniciativa de la ONU que ayuda a las mujeres en Kampala, quienes suelen
adoptar niños (además de tener hijos propios) debido a la gran cantidad de
muertes por SIDA y malaria. Es mucho lo que ha hecho este artista total, que
también es un poeta, fotógrafo, pintor, dibujante y diseñador.
Los largometrajes de su
filmografía hasta el día de hoy, son:
1.
Experiencia (1973)
|
11.
A través de los olivos (1994)
|
20.
A cada uno su cine (2007) (hizo un segmento)
|
2.
El viajero (1974)
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12. A propósito de Nice, la suite (1995) (hizo
un segmento)
|
21. Shirín (2008)
|
3.
Un traje para la boda (1976)
|
13.
Lumière y compañía (1995) (hizo un segmento)
|
22.
Copia Certificada (2010)
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4.
Gozaresh (1977)
|
14.
El sabor de las cerezas (1997:)
|
23.
Like Someone in Love (2012)
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5.
Conciudadanos (1983) (documental)
|
15.
El viento nos llevará (1999)
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6.
Párvulos (1984) (documental)
|
16. ABC Africa (2001) (documental)
|
|
7.
¿Dónde está la casa de mi amigo? (1987)
|
17.
Diez (2002)
|
|
8. Deberes (1989)
|
18.
Five Dedicated to Ozu (2003)
|
|
9. Close Up (1990)
|
19.
10 sobre diez (2004)
|
|
10.
Y la vida continúa (1992)
|
20.
Tickets (2005) (hizo un segmento)
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Aki
Kaurismäki
Por Jorge Le Brun
Finlandés y egresado de la Universidad
de Tampere en la carrera de medios de comunicación. Él mismo hace parte del
cine contemporáneo y se le considera como un realizador de cine de autor por unos o como simplemente "un diseñador de la pantalla, un esteticista
vacío, quien antepone la belleza formal a los contenidos intelectuales,
filosóficos, morales o sociales, con la frialdad de la postmodernidad, siempre
a la búsqueda de cierto perfeccionismo". El mismo (algo pedante y pretencioso decirlo) se considera un “auteur”
por ser su propio guionista, director, productor y también editor; lo cual
implica tener todos los poderes; sus mecenas deben ser unos santos.
Fuera de lo que salga de su
boca, este cineasta si tiene un estilo definido; con un trasfondo entre
marxista, recalcitrante existencialismo y cultura pop estadounidense. En sus
películas, los personajes suelen ser intensamente lacónicos; la articulación de
los diálogos suele ir extremadamente “al grano”, sin adornos, directo y en
lengua estándar estricto, con baja expresividad; él llama eso diálogos-revólver,
ya que las palabras funcionan como balas. Casi se acentúa la línea de
separación entre los protagonistas, cuyas miradas no se cruzan, muchas veces ni
siquiera en una habitación. Gran parte de las narraciones de su autor ocurren
en la ciudad de Helsinki. De cine minimalista, eso puede verse en la
arquitectura de su casa que parece hecha con materiales sobrados y bellamente
sencillos; esto está presente incluso en la duración de las películas, que
afirma que nunca deberían durar más de hora y media, norma que siempre cumple.
En sus películas dominan los silencios ("si la película se lleva a un
nivel minimalista aún el simple sonido de una tos puede ser bastante
dramático", afirma), una melancolía siempre abierta a redención y trabajadores
de condición humilde como personajes.
Los largometrajes de su
filmografía hasta el día de hoy, son:
1.
Crimen y castigo (1983)
|
8.
La chica de la fábrica de cerillas (1990)
|
15.
Un hombre sin pasado (2002)
|
2.
Calamari Union (1985)
|
9.
Contraté a un asesino a sueldo (1990)
|
16.
Luces al atardecer (2006)
|
3.
Sombras en el paraíso (1986)
|
10.
La vida de Bohemia (1992)
|
17.
Le Havre (2011)
|
4.
Hamlet va de negocios (1987)
|
11.
Toma tu pañuelo, Tatiana (1994)
|
18.
True Crimes (2016) (próximamente)
|
5.
Ariel, 1988
|
12.
Leningrad Cowboys Meet Moses (1994)
|
|
6.
Likaiset kädet (1989)
|
13.
Nubes pasajeras (1996)
|
|
7.
Los vaqueros de Leningrad van a América (1989)
|
14.
Juha (1999)
|
Alfred
Hitchcock
Por Jorge Le Brun
Por Jorge Le Brun
El director más grande que
dio Inglaterra y quizá el más importante en dirigir en Hollywood (hay algunos
para tener ese debate); este personaje no necesita presentación (aunque hacia
muchas presentaciones): la serie de televisión, sus cameos, las técnicas para
publicitar sus películas y claro, la melodía Funeral March of a Marionette de Charles Gounod, todo esto convirtió
la silueta del perfil de Hitchcock y al mismo director en un auténtico icono de
la cultura pop; a lo mejor no has visto sus películas, pero sabes perfectamente
quien es y que hizo. Gracias a su influencia puedes verlo en muchos lados; en
el género de suspenso, el thriller psicológico y en sus esquemas; de todo esto
fue el pionero, claro, también podrás ver al regordete en el cine de Brian De
Palma, quien le rinde bastante tributo.
Un cineasta puro, de joven
se dedicaba a hacer rótulos para películas; de ahí pasó a montador y director artístico en sus primeros años. Podemos
darnos cuenta que la casa de Hitch parece un enorme callejón donde los
asesinatos y el humor negro son la orden del día. La arquitectura representa el
Motel Bates de su película Psycho (1960);
las grandes ventanas donde puede verse lo que hace la gente como cuando
convertía al público en voyeristas con la distancia y apertura de la cámara o
colocaba personajes estilo Rear Windows
(1954) otra referencia a esta película podría ser en las escaleras donde hay un
tipo cayéndose de la parte superior del lado izquierdo o será el pérfido
detective de Vertigo (1958); en la
chimenea hay una referencia a The Birds (1963); también hay alguien en ese
vecindario arrastrando algo en el piso del lado izquierdo ¿Será acaso The Trouble with Harry (1955)? Bueno,
entre otras opciones. Tal vez la casa le queda pequeña a un director con tan
extensa filmografía, que estuvo más de 50 años en activo y que empezó en los
20s en el cine mudo de su país con películas como The Lodger: A Story of the London Fog (1927), la cual quizá no
fuera su primer película pero si donde podemos registrar por primera vez sus
cameos y, sus obsesiones con la muerte y las rubias. Influenciado claramente
por las plumas de Sigmund Freud y Franz Kafka, en personajes y situaciones
respectivamente.
Los largometrajes de su
filmografía, son:
1.
Number 13 (1922) (no terminada y recientemente encontrada)
|
11.
Juno and the Paycock (1930)
|
21.
Secret Agent (1936)
|
31.
Shadow of a Doubt (1943)
|
41.
Dial M for Murder (1954)
|
51.
Marnie (1964)
|
2.
The Mountain Eagle (1925) (película perdida)
|
12.
Murder! (1930)
|
22.
Sabotage (1936)
|
32.
Lifeboat (1944)
|
42.
Rear Window (1954)
|
52.
Torn Curtain (1966)
|
3. The Lodger: A Story of the London Fog (1927)
|
13. Elstree Calling (1930)
|
23. Young and Innocent (1937)
|
33. Spellbound (1945)
|
43. To Catch a Thief (1955)
|
53. Topaz (1969)
|
4. The Ring (1927)
|
14. The Skin Game (1931)
|
24. The Lady Vanishes (1938)
|
34. Notorious (1946)
|
44. The Trouble with Harry (1955)
|
54. Frenzy (1972) (retorno a Inglaterra)
|
5. Downhill (1927)
|
15. Mary (1931)
|
25. Jamaica Inn (1939)
|
35.
The Paradine Case (1947)
|
45. The Man Who Knew Too Much (1956) (remake de la
de 1934)
|
55. Family Plot (1976)
|
6.
The Farmer's Wife (1928)
|
16.
Rich and Strange (1931)
|
26.
Rebecca (1940) (primer proyecto estadounidense)
|
36.
Rope (1948)
|
46.
The Wrong Man (1956)
|
|
7.
Easy Virtue (1928)
|
17.
Number Seventeen (1932)
|
27.
Foreign Correspondent (1940)
|
37.
Under Capricorn (1949)
|
47.
Vertigo (1958)
|
|
8.
Champagne (1928)
|
18.
Waltzes from Vienna (1934)
|
28.
Mr. & Mrs. Smith (1941)
|
38.
Stage Fright (1950)
|
48.
North by Northwest (1959)
|
|
9.
The Manxman (1929)
|
19. The Man
Who Knew Too Much (1934)
|
29. Suspicion
(1941)
|
39. Strangers
on a Train (1951)
|
49. Psycho
(1960)
|
|
10.
Blackmail (1929) (primer película sonora del director y del cine británico)
|
20.
The 39 Steps (1935)
|
30.
Saboteur (1942)
|
40.
I Confess (1953)
|
50.
The Birds (1963)
|
Andrei Tarkovski
Por Víctor G. Gándara
Tarkovski fue un tremendo
hacedor de poesía cinematográfica. Su filmografía no sólo es reconocida por la
belleza que impregna, sino por el profundo contenido filosófico y espiritual. Y
es que basta con decir que sus películas son un compendio de los cuadros más
hermosos, cada fotograma (en todas sus obras) es un sorbo de arte que
cualquiera querría tener colgado en la sala de su casa. Los escenarios, los
colores, el juego de luces y cada elemento se unen para formar un producto de
carácter sublime. Asimismo, Tarkovski es reconocido como uno de los máximos
exponentes del plano secuencia; toda
una joya ¿no?
Nació en la Rusia
soviética e inició sus estudios de cine en el Instituto Estatal de
Cinematografía Panruso. Su primer largometraje (La Infancia de Iván) tuvo grandes elogios y, a raíz de ello, las
autoridades soviéticas comenzaron a ponerle trabas en sus próximos filmes,
temiendo denuncias por parte del realizador. Esto no fue impedimento para que
Tarkovski legara su bienamado cine.
En sus haberes está Solaris (1972),
un referente de la ciencia ficción y "respuesta rusa al 2001 de
Kubrick". También Stalker (1979) y Nostalgia (1983), o la anteriormente
mencionada Infancia de Iván (1962),
que el mismo Ingmar Bergman valoró como “un verdadero milagro”. Pero tal vez su
obra máxima es Sacrificio (1986),
donde Tarkovski une todas las virtudes de sus filmes anteriores y cuya
trascendencia le llevó a obtener cuatro premios en Cannes, pero que el director no pudo recibir debido a su condición
por cáncer terminal.
Basta ver algo suyo para
entender por qué se convirtió en uno de los más influyentes y por qué se
alardea tanto la belleza de sus obras. Tarkovski, sin ser un director de cine
convencional o apegado a los estándares del entretenimiento, podría sorprender
incluso al más desidioso.
Los largometrajes de su filmografía, son:
Los largometrajes de su filmografía, son:
1. La infancia de Iván (1962)
|
4. El espejo (1975)
|
7. Tempo di vaggio (1983)
|
2. Andréi Rubliov (1966)
|
5. Stálker (1979)
|
8.
Nostalgia (1983)
|
3. Solaris
(1972)
|
6. Borís Godunov (1982)
|
9. Sacrificio (1986)
|
Blake Edwards
Por Jorge Le Brun
Quizá
su nombre esté un poco olvidado, pero cada vez que vean una comedia con una
temática detectivesca, la marca de esta antigua vieja gloria hollywoodense
estará muy cerca. De guionista de radio a televisión, de guionista de
televisión a extra y así sucesivamente hasta llegar a la dirección en cine; el
joven de grandes orejas se caracterizó en su obra por retomar los elementos
cómicos de los filmes mudos; aunque a veces se alejó de la comedia o de este
estilo (hizo exitosos thrillers), fue él quien recrea a su imagen las slapsticks
de Charlie Chaplin, Buster Keaton, Harold Lloyd, entre otros, y todo a pesar de
incluir un mínimo de diálogos.
Exploró
la comedia en muchas formas y reflejo de ello puede verse en esa casa suya cuya
arquitectura parece realizada para provocar accidentes; un lugar tan
disparatado y lleno de personajes lelos como todo lo que escribió. En ese
peculiar hogar, en el piso, al fondo a la derecha, hay una extraña criatura;
este ser nació con la ayuda del comediante Peter Seller en la famosa serie de
películas empezada con The Pink Panther
(1963) que tuvo 7 secuelas más, y todas protagonizadas por el lerdo inspector
Clouseau en busca del diamante que le da nombre al film. La primera de la serie
tuvo una secuencia de apertura en animación con el icónico tema musical al
ritmo del jazz de Henry Mancini, donde salía la caricatura de la pantera rosa,
felino que fue posteriormente objeto de su propia serie de dibujos animados que
salía al aire en los sábado por la mañana como El show de la Pantera Rosa (1969) por la NBC. El personaje se
presentó en la apertura de cada película de la saga dirigida por Edwards a
excepto A Shot in the Dark (1964).
Los
largometrajes de su filmografía, son:
1.
Bring your smile along (1955)
|
9.
Experiment in terror (1962)
|
17.
Darling Lili (1970)
|
25.
S.O.B (1981)
|
33.
Blind date (1987)
|
2.
He laughed last (1956)
|
10. Days of
wine and roses (1962)
|
18.
Wild Rovers (1971)
|
26. Trail of
the pink panther (1982)
|
34.
Sunset (1988)
|
3.
Mister Cory (1957)
|
11.
The pink panther (1963)
|
19.
The carey treatment (1972)
|
27.
Vicor Victoria (1982)
|
35.
Peter Gunn (1989) (película para tv)
|
4.
This happy feeling (1958)
|
12. A shot in
the dark (1964)
|
20.
The tamarind seed (1974)
|
28. Curse of
the pink panther (1983)
|
36.
Skin deep (1989)
|
5.
The perfect furlough (1958)
|
13.
The race (1965) (parodiada por Hanna-Barbera con "Los autos locos")
|
21. The return
of the pink panther (1975)
|
29. The man
who loved women (1983)
|
37.
Switch (1991)
|
6.
Operation Petticoat (1959)
|
14. What Did
You Do in the War, Daddy? (1966)
|
22. The pink
panther strikes again (1976)
|
30.
Micki + Maude (1984)
|
38. Son of the pink panther (1993)
|
7.
High time (1960)
|
15. Gunn
(1967)
|
23. The
revenge of the pink panther (1977)
|
31. That's
life! (1986)
|
|
8. Breakfast
at Tiffany's (1960)
|
16. The party
(1968)
|
24. 10 (1979)
|
32. A fine
mess (1986)
|
Charles Chaplin
Por Jorge Le Brun
A Jorge
Luis Borges (prefería a Buster Keaton) no le gustaba para nada Charles Chaplin;
Albert Einstein lo admiró, pero nadie tiene desacuerdo cuando el escritor
argentino se refiere a él como “uno de los dioses más seguros de la mitología
de nuestro tiempo”. Chaplin es el artista más famoso de la
historia del cine y su personaje Charlot (el vagabundo “bigote de Hitler” con
bombín) el icono mundial del cine mudo. Actor, comediante, productor, director,
guionista y muchas veces compositor de sus propias películas, incluía entre sus
técnicas los famosos slapstick, la mímica, gags basados en situaciones y demás
rutinas de comedia visual, con más énfasis en el desarrollo de la relación del
espectador con los personajes. El phatos
es un elemento típico de las películas de su director, es decir, crear un
argumento patético, por lo general de ingenuos o amistosos personajes en mundos
difíciles donde las situaciones te pueden llevar de las risas a las lágrimas.
El Comentario
social era una característica de su cine, siempre retratando al débil y
destacando las dificultades de los pobres. También incorpora mensajes
abiertamente políticos en sus películas. Se puede ver en la arquitectura de
su casa una antigua factoría al estilo Modern
Times (1936) representando el trabajador de la fábrica en condiciones
deprimentes y sus ideales; a Monsieur
Verdoux (1947) y su crítica al capitalismo, The Gold Rush (1925) con los decorados del cine mudo y claro, el
personaje que se encuentra más a la derecha de toda esta factoría; el buen
Charlot sosteniendo su bastón. Chaplin nunca entendió el cine como medio y
quiso evitar inmiscuir la labor de la cámara lo más posible haciendo de su
visualización algo simple; para él la acción era lo principal y su cine está
lleno de las acciones de la humanidad; una de las figuras más importantes de su
época; llegó a ser nominado al premio nobel de la paz.
Este
cineasta empezó a dirigir cortometrajes y mediometrajes desde 1914, pero sus
largometrajes fueron:
1.
The Kid (1921)
|
7.
The Great Dictator (1940) (primer película sonora)
|
2. A Woman of
Paris (1923) (primer película con United Artist)
|
8.
Monsieur Verdoux (1947)
|
3.
The Gold Rush (1925)
|
9.
Limelight (1952)
|
4.
The Circus (1928)
|
10. A King in
New York (1957) (producción inglesa)
|
5.
City Lights (1931)
|
11. A Countess
from Hong Kong (1967)
|
6.
Modern Times (1936)
|
David Lynch
Por Víctor G. Gándara
Oriundo de Montana, Estados Unidos, y
estudiante de la Corcoran School of Art en Washington, donde inició sus
estudios en pintura. Así nace -dando un salto del arte pictórico al cinero-
como realizador de cortometrajes, donde plasma su marca surrealista. The Alphabet (1968) fue el primero, un
corto lóbrego hasta los huesos y que puede encontrarse en Youtube. Para su
primer largometraje, Eraserhead
(1997), Lynch se vio obligado a pedir dinero a familiares y amigos, pues el
financiamiento otorgado no le era suficiente para terminarla; y aunque al
principio no fue comercializada -pues no cumplía los estándares-, gracias al
apoyo de un distribuidor apellidado Barenholtz la película logró convertirse en
un clásico de culto, siendo elogiada incluso por Stanley Kubrick.
Entre sus influencias (reconocidas) destacan
Franz Kafka, Fellini y el mismo Kubrick. Aunque sus obras tienen algo del
expresionismo; él mismo refiere algunos pintores objeto de su admiración. Pero
Lynch es Lynch y sus películas brillan (a pesar de su obscuridad) con luz
propia. Aunque su cine pudiera no gustar a muchos, no cabe duda de que el buen
David es un referente y ha influido en directores de la talla de Darren
Aronofsky. El cine de Lynch no debe tomarse a la ligera, no es un productor de
entretenimiento, sino de experiencias mentales que deberán tomarse con
detenimiento.
Sus largometrajes hasta hoy son:
1. Eraserhead (1977)
|
5. Corazón salvaje (1990)
|
9. Mulholland Drive (2001)
|
2. El hombre Elefante (1980)
|
6. Twin Peaks: Fire Walk With Me (1992)
|
10.
Inland Empire (2006)
|
3. Dune (1984)
|
7. Lost Highway
(1997)
|
|
4. Terciopelo azul (1986)
|
8. The Straight Story (1999)
|
Elia Kazan
Por Jorge Le Brun
"El
cine es el diálogo del mundo" dijo alguna vez quien fuera uno de los más
influyentes directores de la historia de Hollywood; el estadounidense de origen
griego, Elia Kazan; quien también fue un influyente director en Broadway; un literato
en la extensión de la palabra. Kazan se destacó por su estrecha colaboración
con los guionistas. En el teatro llegó a trabajar con el mismísimo Arthur
Miller, también con Tennessee Williams y William Inge; en el cine, trabajó de
nuevo con Willams e Inge, pero también con Budd Schulberg, John Steinbeck y
Harold Pinter, convirtiéndose en una figura clave en la carrera de muchos de
los mejores escritores y guionistas de su tiempo. Quizá fue un director
favorecido por la academia, algunos lo recuerdan más por ser un delator durante
el mccarthismo y por su imagen tan pro-estadounidense; pero su obra está por
encima de esto tanto en temática como en el desempeño que mostró.
Con
19 largometrajes en su carrera y una gran cantidad de clásicos; se puede
afirmar que una de las cosas en la que destacó fue en descubrir y reclutar actores
desconocidos, dirigir con ellos y convertirlos en iconos de la academia. Kazan
abogaba por un cierto “realismo cinematográfico”, consideraba que el actor
adecuado representaba el 90% del éxito de la película; convivía con ellos a
nivel personal y les daba flexibilidad para construir a sus personajes e
interesarlos en ellos; Marlon Brando, James Dean, Al Pacino, Warren Beatty,
Robert De Niro, Gary Lockwood, Jack Palance son algunos de los que están en
deuda con este importante director en películas que destacan por su poder
dramático y los temas de cuestiones personales o sociales. Puede verse el sabor a
Brooklyn en el primer piso de su obra arquitectónica, al estilo de A Tree Grows in Brooklyn (1945) y Panic in the Streets (1950) y un
elegante rústico en el segundo piso como en A Streetcar Named Desire (1951) ¿Qué más hay?
Los
largometrajes de su filmografía, son:
1. A Tree
Grows in Brooklyn (1945)
|
8.
Viva Zapata! (1952)
|
15.
Splendor in the Grass (1961)
|
2.
The Sea of Grass (1947)
|
9.
Man on a Tightrope (1953)
|
16.
America, America (1963)
|
3.
Boomerang! (1947)
|
10.
On the Waterfront (1954)
|
17.
The Arrangement (1969)
|
4.
Gentleman's Agreement (1947)
|
11.
East of Eden (1955)
|
18. The Visitors (1972)
|
5.
Pinky (1949)
|
12.
Baby Doll (1956)
|
19.
The Last Tycoon (1976)
|
6.
Panic in the Streets (1950)
|
13. A Face in
the Crowd (1957)
|
|
7.
A Streetcar Named Desire (1951)
|
14.
Wild River (1960)
|
Emir Kusturica
Por Jorge Le Brun
Uno
de los directores más extravagantes y polémicos (por razones políticas) del
periodo entre los 80s y 90s. Uno de los más queridos en Cannes (el Hollywood de
Europa), y exbajista y compositor de una banda de rock de ideología pro-serbia con
mucha sátira a la política, igual que en sus películas. Nacido en 1954 en
Sarajevo (en aquel entonces República Socialista Federal de Yugoslavia), Bosnia
y Herzegovina; estudió en la Academia de Artes Interpretativas de Praga (FAMU)
donde realizó su primer largometraje con el que ganó un premio local, y años
después se convertiría en uno de los pocos realizadores en ganar dos Palmares
de Oro.
La
obra de este arquitecto es rodante como las de sus singulares personajes, como
verán en la imagen es una especie de colosal posada balcánica y singular en
donde la arquitectura y los tendidos de los gitanos pueden verse al igual que
en Underground (1995), al igual que
los retorcidos personajes de Gato negro,
gato blanco (1998); el bajo mundo y sus timadores. Con algunas excepciones
(entre ellas dos documentales), las constantes temáticas del autor se pueden
identificar en la intención de retratar a la gente de los países balcánicos; su
añoranza de lo que fuera Yugoslavia; no sólo decide retratar a serbios,
húngaros o bosnios, sino que también decide involucrar a musulmanes y otras
culturas regionales, en donde destacan los gitanos; es cuando plasma las
diferentes culturas cuando se ve su identidad. Los animales, principalmente los
domésticos, suelen jugar papeles importantes como personajes o como metáforas,
creando una especie de “realismo mágico” o el absurdo en su trabajo, realizando
una acción peculiar e irónica llena de simbolismo. Un cine de características
mayoritariamente localistas, donde trabaja principalmente el drama y la
comedia, las cuales suele fungir en una en la mayoría de sus trabajos. Para
algunos lleno de concesión a la excentricidad gratuita, para otro un genio
polémico, pero sin duda un maestro de la farsa.
Los
largometrajes de su filmografía hasta el día de hoy, son:
1. The Brides
Are Coming (1978) (película para TV)
|
6.
Time of the Gypsies (1988)
|
11.
Super 8 Stories (2001) (documental)
|
2.
Buffet Titanic (1979) (película para TV)
|
7.
Arizona Dream (1993)
|
12.
Life Is a Miracle (2004)
|
3. Do You
Remember Dolly Bell? (1981)
|
8.
Underground (1995)
|
13.
Promise Me This (2007)
|
4.
Nije čovjek ko ne umre (1984) (película para TV)
|
9.
Bila jednom jedna zemlja (1996) (Película para TV)
|
14.
Maradona (2008) (documental)
|
5. When Father
Was Away on Business (1985)
|
10.
Black Cat, White Cat (1998)
|
15.
Words with Gods (2014)
|
Federico Fellini
Por Víctor G. Gándara
Fellini, como referente
del cine italiano, tal vez sea el más grande; y es que la península nos ha dado
genios de la talla de Pasolini, Leone y el mismo Tornatore (por citar algunos),
pero el buen Federico tuvo una trascendencia considerable. Influyente y
admirado por cinéfilos, cineros y cineastas. Ganador de varios premios oscar.
A temprana edad se
interesó por el dibujo. Inició como periodista y colaborador en algunos
periódicos y revistas; hizo tiras cómicas, sátiras. En 1945 se encuentra con
Roberto Rossellini y colabora con él en la película Roma ciudad abierta. Podría decirse que fue su primer acercamiento
al cine. Pero no debutó como director sino hasta 1951 con El jeque blanco. Inicia así una lista de más de 20 filmes, y aunque
en la primera mitad de su carrera fue aclamado por la crítica, en sus finales tuvo
un distanciamiento de la ovación.
Entre su obra destacan La Strada (1954), Le notti di Cabiria (1957), Amarcord
(1973) y 8 ½ (1963), mismas que le
valieron el premio de La Academia; aunque claro, eso no demerita el resto de su
filmografía. Su sello le identifica como un magnífico inventor de personajes (y
sus contextos); destaca una visión irónica del mundo: desde la burguesía hasta
la indigencia. Habiendo iniciado como realizador de tiras cómicas y/o sátiras,
destaca su sentido del humor en su obra. Desconozco a cuántos directores
actuales habrá influido, pero si he de citar a uno el más claro es Paolo
Sorrentino, quien -con nostalgia- trae a la modernidad lo que alguna vez
Fellini regaló al mundo cinematográfico.
Los largometrajes de su filmografía, son:
Los largometrajes de su filmografía, son:
1. Luci del varietà (1950)
|
9. Boccaccio 70 (1962)
|
17. Casanova (1976)
|
2. Lo sceicco bianco (1951)
|
10. Otto e mezzo (1963)
|
18. Prova d'orchestra (1978)
|
3. I vitelloni (1953)
|
11. Giulietta degli
spiriti (1965)
|
19. La città delle donne (1980)
|
4. L'amore in città (1953)
|
12. Tre passi nel delirio (1968)
|
20. E la nave va (1983)
|
5. La strada (1954)
|
13. Satyricon (1969)
|
21. Ginger e Fred (1986)
|
6. Il bidone
(1955)
|
14. I clowns (1971)
|
22. Intervista (1987)
|
7. Le notti di Cabiria (1957)
|
15. Roma (1972)
|
23. La voce della
luna (1990)
|
8. La Dolce Vita (1960)
|
16. Amarcord (1973)
|
Fritz Lang
Por Jorge Le Brun
Apodado
por los ingleses como el “maestro de las tinieblas”, el cine de este austriaco solía
reflejar la fatalidad y la oscuridad de la naturaleza humana. Su vida fue sin
duda una película emocionante, cansado de estudiar arquitectura como su padre
lo obligó, se dedicó a los estudios de las artes gráficas (principalmente la
pintura) llegando a trabajar en dos cabarets vieneses y viajando cual bohemio,
solo para terminar como recluta en el ejercito de su país durante la gran
guerra. Decepcionado y posteriormente herido fue cuando la musa lo visitó y
empezó a escribir guiones. En poco tiempo dirigiría y se convertiría en uno de
los más destacados contribuyentes del movimiento del expresionismo alemán con
películas como Metrópolis (1927); el
éxito y la grandeza continuarían en su periodo americano, como el principal
artífice de los elementos que configuraron el cine noir; todo tras huir de la
Alemania nazi y dejar a su esposa, una ferviente fanática del partido.
La
arquitectura de esta casa no podía ser sin coloración monocromática sepia y
ámbar, como en las legendarias películas mudas de su director, como La muerte cansada (1921),
la saga de Los Nibelungos (1924), y claro está, Metrópolis
que se puede ver en el artefacto que está en una de las columnas que sostienen
el puente al lado derecho; entre muchas otras cosas como las características
del expresionismo: los extravagantes decorados irreales y cercanos a la
pesadilla para que el espectador tenga la sensación de estar en ambientes
grotesco con claroscuros y elementos violentos. Lang creó un vínculo entre paisajes
y seres humanos para mayor dramatismo, construyendo su propio universo y
mostrando solo la naturaleza por medio de abstracciones. Algunas películas de
este director son sin duda tratados de psicoanálisis, sobre todo de la
construcción del lado oscuro que hace de Norteamérica en el género que logra
cimentar y del que penetra en la dimensión psicológica de los personajes de
forma exhaustiva; M, el Vampiro de Dusseldorf (1931), El testamento del Dr. Mabuse (1933), Furia (1936) y Perversidad
(1945) serían algunos de sus referentes.
Los
largometrajes de su filmografía, son:
1.
La mestiza (1919) (película perdida)
|
10. Los nibelungos: la muerte de Sigfrido
(1924)
|
19.
Furia (1936)
|
28.
La mujer del cuadro (1944)
|
37.
Los sobornados (1953)
|
2.
El maestro del amor (1919) (película perdida)
|
11.
Los nibelungos: la venganza de Krimilda (1924)
|
20.
Sólo se vive una vez (1937)
|
29.
Perversidad (1945)
|
38.
Deseos humanos (1954)
|
3.
Las arañas, Parte 1 - El lago de oro (1919)
|
12.
Metrópolis (1927)
|
21.
You and Me (1938)
|
30.
Clandestino y caballero (1946)
|
39.
Los contrabandistas de Moonfleet (1955)
|
4.
Harakiri (1919)
|
13.
Los espías (1928)
|
22.
El regreso de Frank James (1940)
|
31.
Secreto tras la puerta (1948)
|
40.
Mientras Nueva York duerme (1956)
|
5.
Las arañas, Parte 2 - El barco de los brillantes (1920)
|
14.
La mujer en la luna (1929)
|
23.
Espíritu de conquista (1941)
|
32.
El fantasma de río (1950)
|
41.
Más allá de la duda (1957)
|
6.
La imagen errante (1920)
|
15.
M, el vampiro de Düsseldorf (1931) (primer película sonora)
|
24.
El Hombre Atrapado (1941)
|
33.
Guerrilleros en Filipinas (1950)
|
42.
El tigre de Esnapur (1959)
|
7.
Corazones en lucha (1921)
|
16.
El testamento del Dr. Mabuse (1933)
|
25.
Marea de luna (1942)
|
34.
Encubridora (1952)
|
43.
La tumba india (1959)
|
8.
La muerte cansada (1921)
|
17.
Liliom (1934)
|
26.
Los verdugos también mueren (1944)
|
35.
Encuentros en la noche (1952)
|
44.
Los mil ojos del Dr. Mabuse (1960)
|
9.
Dr. Mabuse, el jugador (1922)
|
18.
Furia (1936)
|
27.
El ministerio del miedo (1944)
|
36.
Gardenia azul (1953)
|
George Lucas
Por Jorge Le Brun
Por Jorge Le Brun
Uno
de los cineastas más exitosos financieramente hablando de todos los tiempos;
considerado una de las figuras importantes del Hollywood postclásico,
generación que salvó a la industria de los baby boomers y sus particulares
gustos. Fanático empedernido y coleccionista de comics, apasionado de las
carreras de automóviles, nacido en un rancho en Modesto, California, fue
después de un accidente vehicular cuando decide matricularse en el mundo
artístico y estudia la carrera de cine. Curioso que en su currículo estudiantil
destacó por lo experimental y que al día de hoy su filmografía como director es
ínfima, desarrollándose más como un productor y escritor de franquicias como
Indiana Jones y su joya, Star Wars; uno de los fenómenos culturales más grandes
de la historia. Creador de sus propias empresas y hecho una máquina de
producción monetaria, es quizá la tecnología de animación su mayor dedicatoria
al cine.
La
arquitectura del inmueble de Lucas está hecha sin duda con la tecnología de sus
estudios vendidos. Es la fantasía lo que más le gusta al californiano y lo
mezcla en este caso con la ciencia ficción que juega un papel contextual
(comunidad de sistemas en una galaxia como si fueran países en sociedad); no
pretende en sus historias cuestionar a la ciencia y están cargadas de filosofía
oriental. Parte del diseño de la casa está influenciado también en lo que
sucede en THX 1138 (1971) que
comparte universo con las naves intergalácticas que forman ese hogar. En el
suelo pueden verse como vecinos probablemente a unos jóvenes vagando como los
de American Graffiti (1973); una de
las cintas en las que evidencia su pasión por las carreras (en la misma saga de
Star Wars lo sugiere algunas veces). Las películas de Lucas son una forma de
liberar sus propias fantasías para entregarlas al público, si no, recuerden, él
era un joven de una granja polvorienta, amor por los vehículos y rebelde; solo
que este joven creo un imperio.
Los
largometrajes de su filmografía hasta el día de hoy, son:
1.
THX 1138 (1971)
|
2.
American Graffiti (1973)
|
3. Star Wars
Episode IV: A New Hope (1977)
|
4. Star Wars
Episode I: The Phantom Menace (1999)
|
5. Star Wars
Episode II: Attack of the Clones (2002)
|
6. Star Wars
Episode III: Revenge of the Sith (2005)
|
7.
Red Tails (2012) (co-dirección sin acreditar)
|
Ingmar Bergman
Por Jorge Le Brun
El
dramaturgo del séptimo arte; esto esta en discusión y las verdades son líquidas
como la modernidad, pero aquí (reconociéndome una piedra tirada al
océano) considero a Bergman el más grande cineasta que hasta hoy ha existido. Aunque
afortunadamente me equivoque, los que saben más tienen el consenso de que es el
más grande artista que haya dado su talento al séptimo arte; filósofos como
Heidegger y Sartre, escritores como Camus y la metafísica están presentes en su
obra. “El teatro es mi mujer, y el cine mi amante” describe su relación a tres
bandas de donde surgieron guiones muy personales que regalan una sensación de
voyeurismo sentimental en el espectador. Nacido y destinado a contar
la gravedad de la nada, y el humor y la ironía de la muerte, su padre era un
pastor luterano autoritario con el que guardó distancia y su madre un ama de
casa; a los 10 años vio por primera vez la cabina de proyección de un cine, le
fascinó tanto que le cambió a su hermano mayor la mitad de su colección de
soldados de plomo por un proyector de juguete y, con los años, estudia y egresa
de Literatura e Historia del Arte.
Gran
cineasta, guionista y escritor, tanto de obras de teatro como de cine; abordó la
condición humana, desde el punto de vista de la desesperanza, la desolación y
también del humor y el sarcasmo. Estudiador cuidadoso del tratamiento de la
luz, destaca como un fotógrafo de rostros con el uso de primer plano como
explorador de la interioridad humana, siempre para revelar el alma; sus personajes
suelen sufrir transformaciones violentas cuando se enfrentan a sí mismos y a
los demás. Películas abstractas y contemplativas, pero de lectura amena; no tan
densas y pesadas como se le preconcibe. La casa de Bergman como ven es de una
bella iluminación y un gusto por las formas que el concebía principalmente en
el blanco y negro, Persona (1966) y Fresas Salvajes (1957) me son sugeridas,
aunque el rojo del primer piso es de Gritos
y Susurros (1972), claro, ese árbol que se dobla podría ser de El manantial de la doncella (1978), y,
dejada al final del lado izquierdo está la genial escena final (valga la
redundancia) de El Séptimo Sello (1956),
aunque también la forma del techo de esa casa me recuerda mucho a la muerte
encapuchada.
Los
largometrajes de su filmografía, son:
1.
Crisis (1945)
|
11.
Mientras la ciudad duerme (1950)
|
21.
El séptimo sello (1956)
|
31.
El silencio (1963)
|
41.
Secretos de un matrimonio (1974) (Miniserie de tv)
|
2.
Llueve sobre nuestro amor (1946)
|
12.
Esto no puede ocurrir aquí (1950)
|
22.
La última pareja que corre (1956)
|
32.
Todas esas mujeres (1964)
|
42.
La flauta mágica (1975)
|
3.
Mujer sin rostro (1947)
|
13.
Divorcio (1950)
|
23.
Fresas salvajes (1957)
|
33.
Persona (1966)
|
43.
Cara a cara (1976)
|
4.
Barco a la India (1947)
|
14.
Juegos de verano (1951)
|
24.
En el umbral de la vida (1957)
|
34.
La hora del lobo (1968)
|
44.
El huevo de la serpiente (1977)
|
5.
Música en la oscuridad o Música en la noche (1948)
|
15.
Tres mujeres (1952)
|
25.
El rostro (1958)
|
35.
La vergüenza (1968)
|
45.
Sonata de otoño (1978)
|
6.
Ciudad portuaria (1948)
|
16.
Un verano con Mónica (1953)
|
26.
El manantial de la doncella (1959)
|
36.
El rito (1969) (película para tv)
|
46.
Mi isla, Farö (1979) (documental)
|
7.
Eva (1948)
|
17.
Noche de circo (1953)
|
27.
El ojo del diablo (1960)
|
37.
La pasión de Anna (1969) (primer película a color)
|
47.
De la vida de las marionetas (1980)
|
8.
Prisión (1949)
|
18.
Una lección de amor (1954)
|
28.
Como en un espejo (1961)
|
38.
Documento sobre Fårö (1970) (documental)
|
48.
Fanny y Alexander (película estrenada en cine y televisión)
|
9.
La sed (1949)
|
19.
Sueños (1955)
|
29.
El jardín de las delicias (1961)
|
39.
El contacto (1971) (única experiencia hollywoodense)
|
|
10.
Hacia la felicidad (1950)
|
20.
Sonrisas de una noche de verano (1955)
|
30.
Los comulgantes (1962)
|
40.
Gritos y susurros (2972)
|
Jacques Tati
Por Jorge Le Brun
En
una encuesta realizada en 1996 por la revista Entertainment Weekly sobre los
mejores directores de la historia, Jacques Tati fue colocado en el lugar 46;
nada mal para un sujeto con una filmografía de 6 largometrajes, considerado uno
de los mayores genios de la comedia en el cine. Es reconocido por todo tipo de
cineastas y debo admitir, soy un neófito de este singular personaje que
también destacó como actor. Hijo de un aristócrata ruso, nació en Francia en
1907, y su nombre en realidad era Jacques Tatischeff, antes de convertirse en
actor, mimo, payaso, y maestro burlesco del cine francés. Sus filmes en última
instancia, son colecciones de gags y situaciones cómicas, y al mismo tiempo,
poseen un contenido crítico a la sociedad moderna tecnologizada (de lo que
estaba muy en contra). Como continuación de Charles Chaplin o Buster Keaton, planteó
un estilo muy personal, entre la tradición muda y lo que sería la vanguardia; defendido y querido por la Nouvelle
vague.
Su
casa representa bien su corto cine; sus temas recurrentes, como en Playtime (1967) y Trafic (1971); la
obsesión occidental por el estatus que te dan los bienes materiales,
especialmente el consumismo al estilo americano, la superficialidad de las
relaciones entre las diferentes clases sociales de Francia, y de la naturaleza
fría y, a veces poco práctica de la tecnología. Uno de sus grandes aportes es
la invención e interpretación de Mousier Hulot, inadaptado que chocaba una y
otra vez (de forma cómica) contra este mundo cada vez más impersonal. También
dijo Pedro Adrián Zuluaga que se le puede
atribuir el innovar la función del sonido en la imagen, de introducir el sonido
en el modo de ser de lo cómico, haciendo de los ruidos verdaderos personajes, y
a la inversa, haciendo que las personas entren en conversación por medio de
ruidos en lugar de los diálogos; extrajo de la voz humana la fonación, es
decir, la entonación y el murmullo como sonido vitales.
Los
largometrajes de su filmografía, son:
1. Día de fiesta (1949)
|
2. Las vacaciones del Sr. Hulot (1953)
|
3. Mi tío (1958)
|
4. Playtime (1967)
|
5. Trafic (1971)
|
6. Parade (1974)
|
Jim Jarmusch
Por Víctor G. Gándara
A Jarmusch lo conocí por
su Only Lovers Left Alive (2013); me
dejó tan fascinado que me di a la tarea de indagar en su filmografía, aunque
debo decir que (de lo visto) no encontré alguna con el tamaño de Sólo los amantes sobreviven… será mi
percepción. A pesar de mis desidias sé que es bien valorado entre los críticos.
Nació en Ohio, Estados
Unidos. Quizá heredó el gusto por el séptimo arte de su madre, quien escribía
críticas de cine; aunque su principal interés durante la adolescencia fue la
literatura. Durante su último año en la universidad colaboró para el director
de cine Nicholas Ray y usó los fondos de su beca para filmar su primer
largometraje: Permanent Vacation
(1980), mismo que presentaría como proyecto final de su universidad, pero le
fue rechazado. Su segundo film, Stranger
Than Paradise (1984), sí recibió elogios de la crítica y obtuvo un premio
en Cannes. Así se catapultaría como un importante realizador de cine
independiente moderno.
Sus películas se
caracterizan por su ritmo pausado y sencillez. La contemplación y el silencio
son tal vez sus personajes principales: invisibles mas casi siempre ahí, en el
acecho. Hacedor de personas melancólicas y reflexivas; taciturnas, calladas,
pero siempre pensantes.
Si de otros directores he
dicho que no son para cualquiera, éste se brinca la barda. Uno no puede hacer
palomitas y poner una peli suya esperando pasarla bomba, porque no será así.
Pero es una buena opción si tienes el hábito de indagar todo tipo de cine y no
eres un fanático del entretenimiento convencional.
Sus largometrajes hasta hoy son:
1. Permanent Vacation (1980)
|
5. Night on Earth (1991)
|
9. Broken Flowers (2005)
|
2. Stranger Than Paradise (1984)
|
6. Dead Man (1995)
|
10.
The Limits of Control (2009)
|
3. Down by Law (1986)
|
7. Ghost Dog: The
Way of the Samurai (1999)
|
11. Only Lovers Left Alive (2013)
|
4. Mystery Train (1989)
|
8. Coffee and Cigarettes (2003)
|
Joel y Ethan Coen
Por Víctor G. Gándara
Cuando conocí a Charles
Bukowski (su obra, claro) pensé que si le adaptasen al cine debía ser a cuenta
de los Coen; dudo que exista director (s) más oportuno para ello. Aunque las
influencias de los hermanos parecen caer más bien en la novela y cine negro, la
tragicomedia y el humor de sus pelis tienen un matiz muy parecido al del
escritor.
Los 17 filmes en su haber
llevan un sello característico; lo anterior parece una obviedad, pero -si bien
los directores tienen sus marcas y manías- el estilo de los Coen es fácilmente
identificable, como sucede con un Tarantino, Scorsese o Woody Allen, por citar
algunos. Otros sólo son dilucidados por los más expertos.
En el seno de una familia
judía, nacieron Joel y Ethan Coen en el 54 y 57 respectivamente (oriundos de
Estados Unidos). Rodaron su primera película en 1984, obteniendo grandes
elogios tan pronto se estrenó. Ganaron su primer oscar por Fargo (1996) a mejor guión original y obtuvieron el premio máximo
de la Academia en 2008 por No country for
old men (una de mis favoritas). Ésta última, por cierto, solamente contiene
16 minutos de música, sin embargo su ritmo no se ve afectado por la ausencia de
la misma; a mi parecer fue un gran acierto por parte de los directores.
El cine de entretenimiento
pocas veces es inteligente, pero los Coen logran hacerlo con maestría
perspicaz.
Sus largometrajes hasta
hoy son:
1. Blood Simple (1984)
|
7. The Big Lebowski (1998)
|
13. Burn After Reading (2008)
|
2. Raising Arizona (1987)
|
8. O Brother, Where Art Thou? (2000)
|
14. A
Serious Man (2009)
|
3. Miller’s Crossing (1990)
|
9. The Man Who
Wasn’t There (2001)
|
15. True Grit (2010)
|
4. Barton Fink (1991)
|
10. Intolerable Cruelty (2003)
|
16. Inside Llewyn Davis (2013)
|
5. The Hudsucker Proxy (1994)
|
11. The Ladykillers (2004)
|
17. Hail, Caesar! (2016)
|
6. Fargo (1996)
|
12. No Country for
Old Men (2007)
|
Krzysztof Kieślowski
Por Víctor G. Gándara
Polaco de nacimiento,
Kieslowski es tal vez uno de los mejores directores que ha dado el cine de su país
(incluso el mundo). Ovacionado por su Decálogo: un compendio de metrajes (10),
cada uno alusivo a un mandamiento (de acuerdo a la religión católica). El
decálogo integra una fuerte carga psicológica y representa una visión más filosófica
y menos fundamentalista de los mandamientos. También recordado por su trilogía
del color (Rojo, Blanco y Azul) estrenadas entre 1993 y 1994; es una
alusión a la bandera francesa y tal vez su trabajo más representativo. O la
excelsa Doble vida de Verónica (1991)
que, como toda su obra, ofrece música sublime.
Kieslowski es la clase de
director que se distingue por la poética visual de sus trabajos. Para desgracia
de quienes admiramos su trabajo, murió antes de terminar de escribir su última
trilogía, una adaptación de La divina
comedia. Tal vez en algún tiempo (si no es que ya) podríamos referirlo como
uno de los directores más influyentes de la historia del cine.
Los largometrajes de su filmografía, son:
Los largometrajes de su filmografía, son:
1. La cicatriz (1977)
|
5. No matarás (1988)
|
9. Blanc (1994)
|
2. El aficionado (1979)
|
6. No amarás (1988)
|
10. Rouge
(1994)
|
3. Sin final (1985)
|
7. La doble vida de Verónica
(1991)
|
|
4. El azar (1987)
|
8. Bleu (1993)
|
Lars
Von Trier
Por Víctor G. Gándara
Polémico y transgresor por
excelencia. El danés Lars von Trier es uno de los directores más raros de la
actualidad, su singularidad le ha otorgado tanto detractores como seguidores. Estudió
en la Escuela Nacional de Cine de Dinamarca y, apenas debutó con su Forbrydelsens Element (1983), fue
reconocido en Cannes.
Tristemente suele
recordársele más por sus controversias que por su obra en sí, y es que no sólo
sus filmes dan de qué hablar, sino su comportamiento fuera del set. En 2011 fue
declarado persona non grata en el
festival de Cannes (siendo expulsado, por consiguiente), tras haber hecho
declaraciones de contenido sensible respecto Hitler y la comunidad judía; y
aunque luego pidió disculpas y explicó la intención de su comentario, no
reivindicó su posición frente a los ojos de muchos.
Gran parte de su
filmografía está hecha con cámara al hombro e iluminación natural y se une al
grupo de los anti convencionalistas.
Es el tipo de realizador aclamado o demeritado; hábil en el insolente arte de
la crudeza. Su último film, Nymphomaniac
(2013), expone varias escenas de sexo gráfico, aunque no es precisamente el tema central del largometraje,
de hecho integra la llamada trilogía de
la depresión, incorporándose también Melancolía
(2011) y Anticristo (2009); las tres
estelarizadas por la francesa Charlotte Gainsbourg. Aunque tal vez su película
más reconocida es Dancer In The Dark (2000), acreedora de la Palma de Oro.
A von Trier tampoco hay
que tomárselo a la ligera, pocas veces nos topamos directores no protocolarios
que buscan darle a su obra un sentido más allá del explícito, éste es uno de
ellos, pero hay que tener estómago para él (sobre todo para sus últimos
trabajos). Y si bien, ser poco convencional y transgresor no es un referente
automático de calidad, Lars von Trier me parece un cineasta con las suficientes
aptitudes para trascender.
Sus largometrajes hasta
hoy son:
1. El elemento del crimen (1984)
|
6. Bailando en la obscuridad (2000)
|
11. Anticristo (2009)
|
2. Epidemic (1987)
|
7. Dogville (2003)
|
12. Melancolía (2011)
|
3. Europa (1994)
|
8. Las cinco condiciones (2003)
|
13. Nymphomaniac (2013)
|
4. Rompiendo las olas (1996)
|
9. Manderlay (2005)
|
|
5. Idioterne (1998)
|
10. El jefe de todo esto (2007)
|
Michel
Gondry
Por Jorge Le Brun
Los
expertos suelen citarlo como uno de los representantes (junto a Spike Jonze y
David Fincher) de la influencia de los directores de vídeos musicales en la
industria fílmica; es menos gente la que se dio cuenta que fue pionero en
utilizar la técnica conocida como “bullet time”, que encontraría la fama en la
saga The Matrix, pero fue usada por vez primera en un comercial de vodka en donde los Rolling
Stones tocaron el tema de Bob Dylan, Like a Rolling Stone. En los años 80s y
tras pasar por una escuela de arte parisina, Gondry formó parte como baterista
del grupo pop Oui Oui, paso efímero al durar solo hasta inicios de los 90s; fue
en esta década donde llamó la atención por su producción de videoclips y anuncios
publicitarios, rodando videos para gente como Bjork, Chemical Brothers, The
Rolling Stones, Beck, Foo Fighters, White Stripes, Lenny Kravitz, Radiohead o
Massive Attack.
Puede
verse en la arquitectura de esta casa aquellos temas recurrentes en la
filmografía de Gondry, y claro, una arquitectura que evoca a La science des rêves (La ciencia de los
sueños 2006). Los tópicos de su obra suelen ser de carácter emotivo, cursi
diría alguien; la familia, los recuerdos de infancia, la personalidad, los
sueños y la naturaleza; pueden verse claramente; películas como Eternal Sunshine of the Spotless Mind
(2004) tienen todo esto. Su cine está abordado de forma sensible y en sus puestas
en escena encontramos un particular tratamiento de lo material, en la
interacción del personaje con los objetos de su rededor o cuando éstos cambian
sus proporciones o el tamaño en relación a las personas con las que
interactúan.
Los
largometrajes de su filmografía hasta el día de hoy, son:
1.
Human Nature (2001)
|
9. Is the Man
Who Is Tall Happy? (2013)
(documental)
|
2. Eternal
Sunshine of the Spotless Mind (2004)
|
10.
L'ecume des jours (2013)
|
3. Dave
Chappelle's Block Party (2005) (documental)
|
11.
Microbe & Gasoline (2015)
|
4.
La science des rêves (2006)
|
|
5.
Be Kind Rewind (2008)
|
|
6. The Thorn
in the Heart (2009) (documental)
|
|
7.
The Green Hornet (2011)
|
|
8. The We and
the I (2012)
|
Michelangelo Antonioni
Por Jorge Le Brun
Por Jorge Le Brun
Cineastas
como Akira Kurosawa, Stanley Kubrick, Andrei Tarkovsky, Miklós Jancsó lo
consideran como uno de sus directores predilectos. Cursó estudios de economía
en la Universidad de Ferrara y de Cine en Bolonia. Su carrera se inició como
crítico cinematográfico, guionista, ayudante de dirección; también hizo
trabajos como documentalista y escritor de cuentos. Al igual que Ingmar Bergman
(y también murieron el mismo día), su cine trata cuestiones existenciales, pero
su perspectiva es hacia la contemporaneidad, abordó temas como la
incomunicación entre las personas, la dificultad para establecer relaciones y sobre
todo, la soledad del individuo en una sociedad deshumanizada; su premisa
recurrente es con personajes que sufren de aburrimiento y cuyas vidas están
vacías y carentes de propósito o los que van por la búsqueda de riqueza material; al día de hoy, el cine de Antonioni es objeto de un renovado
culto e influencia entre artistas contemporáneos, principalmente en el modo de
filmar los silencios y tiempos muertos, propios de un mundo desencantado.
Esta
bella arquitectura se encuentra Más allá
de las nubes (Al di là delle nuvole 1995), esplendido edificio al estilo de
El Eclipse (L'eclisse 1962) una de
las partes de su trilogía sobre el "malestar moderno" junto a La aventura (1960) y La noche (1961). Reconocido para muchos
por sus tomas largas; para algunos interesantes y para otros, aburridas;
Orson Welles, Francois Truffaut, y el mismo Ingmar Bergman lo consideraron
tedioso; el hombre generó opiniones divididas entre grandes maestros, hay
espacio para todos, como él mismo dijo “A
mí modo de ver, todo director debería tratar (como lo han hecho, por lo demás,
todos los grandes directores) de reinventar por su cuenta la prosa
cinematográfica. Hace ya mucho que en el cine se escribe del mismo modo, con la
misma técnica”.
Los
largometrajes de su filmografía, son:
1.
Crónica de un amor (1950)
|
9.
Blow-up (1966)
|
2.
Los vencidos (1952)
|
10.
Zabriskie Point (1970)
|
3.
La señora sin camelias (1953)
|
11. Chung Kuo - La China (1972) (documental)
|
4.
Las amigas (1955)
|
12.
El reportero (1975)
|
5.
El Grito (1957)
|
13.
El misterio de Oberwald (1981)
|
6.
La Aventura (1960)
|
14.
Identificación de una mujer (1982)
|
7.
La Noche (1961)
|
15.
Más allá de las nubes (1995) (codirigida con Wim Wenders)
|
8.
El desierto rojo (1964)
|
16.
Eros (2004) (hizo un segmento)
|
Peter Greenaway
Por Jorge Le Brun
Por Jorge Le Brun
“Estoy
seguro de que mis nietos se preguntarán qué era eso”, comenta en referencia a
la muerte del cine que considera a llegado con las nuevas tecnologías el
realizador británico Peter Greenaway, una de las figuras más importantes que ha
surgido del séptimo arte en su país y a finales del milenio pasado. Greenaway
estudios en el Walthamstow College of Art, donde se matriculó como artista
plástico. Su cariño por el cine nació cuando se interesó por las obras de Antonioni,
Bergman, Godard, Pasolini, y Serguei Eisestein (quien para Peter fue el más grande). Todo esto de forma particular cuando tenía una carrera desarrollada en la
pintura, que influyó en su forma particular de hacer películas. Uno
de estos elementos es su postura abiertamente racional a grado
académico, en la que hay toda una reflexión sobre la evolución de los estilos
artísticos articulando una especie de “ensayo cinematográfico” sobre la historia
del arte, contrastando con la idea del cine como la famosa “fábrica de sueños”
afirmada por Hollywood.
Su
casa es de lo más fílmica, se caracteriza por la clara influencia de su faceta
como pintor, el renacimiento, el flamenco y el barroco de la pintura en particular;
su cine es “una especie de pintura con banda sonora”, como se pueden ver en obras
como The Belly of an Architect (1987)
o The Cook, the Thief, His Wife & Her
Lover (1989). Rasgos comunes en sus películas son la composición escénica e
iluminación y los contrastes: el vestuario y la desnudez, la naturaleza y la
arquitectura, los objetos y la gente, el placer sexual y la dolorosa muerte (en
este último tema el mismo afirma que solo del sexo y la muerte se puede hablar
en realidad); un clérigo de Eros y Tánatos. El trabajo de Greenaway propone una
nueva etapa en el cine, su “cubismo”, es decir, la descomposición y
recomposición de los elementos visuales, espaciales y temporales en la dinámica
fílmica, con un trabajo casi siempre de tipo experimental en su idea de cine y pintura en uno.
Los
largometrajes de su filmografía hasta el día de hoy, son:
1.
The Falls (1980)
|
9.
The Pillow Book (1996)
|
2.
The Draughtsman's Contract (1982)
|
10.
8½ Women (1999)
|
3.
A Zed & Two Noughts (1985)
|
11. The Tulse
Luper Suitcases, Part 1: The Moab Story (2003)
|
4. The Belly of an Architect (1987)
|
12. The Tulse
Luper Suitcases, Part 2: Vaux to the Sea (2004)
|
5.
Drowning by Numbers (1988)
|
13. The Tulse
Luper Suitcases, Part 3: From Sark to the Finish (2004)
|
6. The Cook,
the Thief, His Wife & Her Lover (1989)
|
14.
Nightwatching (2007)
|
7.
Prospero's Books (1991)
|
15. Goltzius
and the Pelican Company (2012)
|
8.
The Baby of Mâcon (1993)
|
16.
Eisenstein in Guanajuato (2015)
|
Riddley Scott
Por Víctor G. Gándara
Tal vez Ridley Scott sea
uno de los directores más multifacéticos, pues no solo se identifica por sus
bien amadas Science fiction (dígase Blade Runner, Alien), su cine integra géneros muy distintos entre sí: bélico, fantástico,
épico, thriller psicológico, drama, de época, crimen, acción y hasta una road movie. Tal vez por ello sea más
difícil identificar sus películas (obviando las más reconocidas, claro),
comparado con un Burton o Anderson, pero eso no exceptúa su sello de
distinción, Scott es un creador de ambientación y posiblemente sea de los
mejores en la materia.
Estudió en Royal College
of Art de Londres y trabajó en sus inicios para la BBC, asimismo realizó
cientos de comerciales. El trabajo de Scott le ha valido tres nominaciones al
oscar, obteniendo uno a mejor director por Gladiador
(2000). Es pues, otro realizador con más de una película icónica en su
filmografía; la exitosa Gladiador ocupa
una lista donde también se hallan Blade
Runner (1982), Alien (1979), Black Hawk Down (2002), Thelma y Louise (1991), Hannibal (2001) y más recientemente The Martian (2015), entre otras.
Scott es de los pocos
directores que pueden presumir haber hecho películas icónicas y que, a la vez,
algunas se convirtiesen en verdaderas obras de culto cuyo universo dé para más
material: el caso más claro es Alien.
Sus largometrajes hasta
hoy son:
1. Los duelistas (1977)
|
9. Tormenta blanca (1996)
|
17. American Gangster (2007)
|
2. Alien (1979)
|
10. La teniente O’ Neil (1997)
|
18. Red de mentiras (2008)
|
3. Blade Runner (1982)
|
11. Gladiador (2000)
|
19. Robin Hood (2010)
|
4. Legend (1985)
|
12. Hannibal (2001)
|
20. Prometheus (2012)
|
5. La sombra del testigo (1987)
|
13. La caída del Halcón Negro (2002)
|
21. The Counselor (2013)
|
6. Black Rain (1989)
|
14. Los impostores
(2003)
|
22. Exodus (2014)
|
7. Thelma y Louise (1991)
|
15. El reino de los cielos (2005)
|
23. The Martian
(2015)
|
8. 1492 (1992)
|
16. Un buen año
(2006)
|
Stanley
Kubrick
Por Jorge Le Brun
Por Jorge Le Brun
Fotógrafo
sin estudios formales de cine, logró el tan ansiado control total sobre sus
películas, con el fin proteger su visión fílmica, participando en cada etapa de
la producción de una cinta. Judío del Bronx, nacido de una familia clase media,
desde muy joven se interesó en la fotografía, el jazz (la música) y el ajedrez,
posteriormente se fascinaría por el trabajo del director alemán Max Ophüls de
quien tomaría el perfeccionismo en sus propias fotografías (bueno, si jugaba
ajedrez ya era frío y quisquilloso). Entre los directores que sin duda pueden
rebatir lo que digo acerca de Hitchcock está Stanley Kubrick, uno de los “monstruos”
del siglo XX, obsesivo, distante, controvertido, endiosado (esto ya no tanto),
pónganle el adjetivo que quieran, su influencia en el cine contemporáneo es
enorme y difícil de definir en su real dimensión.
La
casa de Kubrick hace principalmente referencia a su famosa 2001: A Space Odyssey (1968), quizá la película más revolucionaria
de la ciencia ficción hasta el día de hoy, hogar elegante, hasta cierto punto
armoniosa (no tanto como Kubrick hubiera querido), pero lo suficiente como para
no quedarse atrapados por El Resplandor
(The Shinning 1980) del Hotel Overlook; del lado superior a la derecha puede
verse una figura encapuchada similar a los de la sociedad retratada en Eyes
Wide Shut (1999); me gusta pensar que la base de la casa es un bunker como
los de Full Metal Jacket (1987),
entre otras cosas. Las películas de Kubrick que son principalmente visuales
pueden ser ejercicios personales pero a la vez parte de la cultura popular,
caen en los gustos de todos, un innovador en la fotografía, pero también en la
música, incorporando tanto las melodías de la época de la película en turno o
algunos clásicos, así como también emplear los aportes de la electrónica. Él
evitaba poner su punto de vista en las obras y eso no le impidió fundirlas con
su personalidad a la hora de crear imágenes; sin duda el líder de la ola
conocida como “New Hollywood”.
Los
largometrajes de su filmografía, son:
1.
Fear and Desire (1953)
|
9.
A Clockwork Orange (1971)
|
2.
Killer's Kiss (1955)
|
10.
Barry Lyndon (1975)
|
3.
The Killing (1956)
|
11.
The Shining (1980)
|
4.
Paths of Glory (1957)
|
12. Full Metal Jacket (1987)
|
5.
Spartacus (1960)
|
13.
Eyes Wide Shut (1999)
|
6.
Lolita (1962)
|
|
7.
Dr. Strangelove (1964)
|
|
8.
2001: A Space Odyssey (1968)
|
Tim
Burton
Por Víctor G. Gándara
Y sí, él también suele tener obsesión con
ciertos actores (Por no decir Johnny Depp). La regularidad de Depp en sus
películas es tanta que suelen hacerse chistes irónicos al respecto, como
preguntar: ¿cuál es esa película de
Burton donde actúa Johnny Depp? Algunos creen que todos son el mismo
personaje pero con distinto disfraz; lo cierto es que esta mancuerna es quizá
la más popular en el mundo del cine.
Un punto a su favor es la musicalización de
sus obras, aunque el mérito es de sus compositores ha sabido elegir
correctamente; Danny Elfman, su máximo colaborador, nos regaló música tan bella
como la usada en El cadáver de la novia (2005),
o piezas épicas como la de Batman.
Burton es un director que vale la pena
descubrir, me refiero a la importancia de escudriñar en su obra si apenas
conoces una parte. Su infancia e influencias es información que sazona muy bien
la visión de su cine. Y aunque de un tiempo para acá -coinciden algunos- ha
tenido un declive creativo, cuenta con realizaciones muy bellas y no tan
reconocidas, como Vincent (un corto animado stop
motion basado en un poema del
mismo Burton). Y la mejor de todas, a mi parecer: Big Fish.
Sus largometrajes hasta
hoy son:
1. La gran avenutra de Pee-wee (1985)
|
7. Ed Wood (1994)
|
13. Corpse Bride (2005)
|
2. Beetlejuice (1988)
|
8. Mars Attacs! (1996)
|
14. Sweeney
Todd (2007)
|
3. Batman (1989)
|
9. Sleepy Hollow
(1999)
|
15. Alicia en el país de las maravillas
(2010)
|
4. Joven manos de tijera (1990)
|
10. El planeta de los simios (2001)
|
16. Sombras tenebrosas (2012)
|
5. Batman regresa (1992)
|
11. Big Fish (2003)
|
17. Frankenweenie (2012)
|
6. El extraño mundo de Jack (1993)
|
12. Charile y la fábrica de Chocolates
(2005)
|
18. Big Eyes (2014)
|
Wes Anderson
Por Víctor G. Gándara
Anderson se une a la
lista de directores que no fueron a la escuela de cine; estudió filosofía en su
estado natal Texas. Conoció a Owen Wilson en la universidad y colaboraron desde
los primeros largometrajes de Wes, alianza que muy pronto los llevó a ser nominados
al oscar por mejor guión en The Royal Tenenbaums (2001).
Al igual que otros
directores Anderson tiene sus actores fetiche, siendo Bill Murray el más
participativo, convirtiéndose básicamente en un sello de distinción para el
director (obviando más características, claro). Otros artistas recurrentes son Jason
Schwartzman, el ya mencionado Owen Wilson y últimamente Adrien Brody.
Anderson ha conseguido lo
que pocos: sus películas pueden ser identificadas con sólo visionar un
fragmento, pues todas parecen tener una sola alma. Se trata de un realizador
meticuloso, devoto de la estética, el detalle y la simetría. Ver cine de
Anderson es como leer un libro en la pantalla, una aventura literaria sin
infantilismo y con despuntes de humor negro.
Muchos opinan que ya
debió haberse llevado el máximo galardón de La Academia, aunque sabemos que la
calidad de una película no necesariamente se mide en cuántos oscares tiene, el
mismo Hitchcock (sin intención de compararlo con el primero) nunca lo ganó. Así
que nuestro joven genio puede sentirse tranquilo.
Sus largometrajes hasta
hoy son:
1. Ladrón que roba a ladrón (1996)
|
4. La vida acuática con Steve Zissou (2004
|
7. Moonrise Kingdom (2012)
|
2. Rushmore (1998)
|
5. Viaje a Darjeeling (2007)
|
8. Gran
Hotel Budapest (2014)
|
3. The Royal Tenenbaums (2001)
|
6. Fantastic Mr. Fox
(2009)
|
Wim
Wenders
Por Jorge Le Brun
Por Jorge Le Brun
Uno
de los “herederos” del “Nuevo Cine Alemán”, a veces marginal o a veces nombrado
con el apelativo de líder; en una carrera con ya algunas décadas, Win Wenders
es uno de los directores más reconocidos de la contemporaneidad por sus premios
internacionales y por la fotografía de sus filmes. Era una perra indecisa, después
de estudiar dos cursos de medicina, uno de filosofía e incluso considerar el
sacerdocio, decide cambiar nuevamente la virada y se matricula en la Escuela
Superior de cine de Munich. De joven, Wenders pasó años estudiando y
escribiendo crítica de cine en algunos diarios, y produciendo y dirigiendo
cortometrajes hasta llegar a Summer in the
City (1970), su opera prima.
La
peculiar arquitectura del hogar de Wender evoca a Alicia en las ciudades (Alice in den Städten, 1973) o a París, Texas (1984) a mi torpe parecer;
su obsesión, el trasfondo político, histórico, social y claro, los fantasmas
que origina de la República Federal alemana, donde tiende a explorar la americanización de la Alemania de posguerra y la presencia
estadounidense en el inconsciente europeo. Las películas de este director
destacan por su fotografía haciendo énfasis en las imágenes de paisajes
desolados; imágenes cuyos temas principales evocan la memoria, el tiempo, las
pérdidas, la nostalgia y los ciclos de la vida, sin duda un director dedicado a
los paisajes exteriores, en donde los elementos arquitectónicos de las ciudades
se suelen establecer como el motivo más común. De los directores que conocí al
hacer este ejercicio, y de los que aún tengo que conocer más, como él mismo
dijo ““El viajero es alguien que comienza un viaje y no sabe cuándo lo va
acabar”.
Los
largometrajes de su filmografía hasta el día de hoy, son:
1.
Verano en la ciudad (1970)
|
9.
El hombre de Chinatown (1982)
|
17.
Historias de Lisboa (1994)
|
25.
Tierra de abundancia (2004)
|
2.
El miedo del arquero al tiro penal (1972)
|
10.
El estado de las cosas (1982)
|
18.
Más allá de las nubes (1995) (codirigida con Michelangelo Antonioni)
|
26.
Llamando a las puertas del cielo (2005)
|
3.
La letra escarlata (1973)
|
11.
París, Texas (1984)
|
19.
Los hermanos Skladanowsky (1995)
|
27.
Invisibles (2007) (documental) (hizo un segmento)
|
4.
Alicia en las ciudades (1974)
|
12.
Tokio-Ga (1985) (documental)
|
20.
El final de la violencia (1997)
|
28. To Each
His Own Cinema (2007) (hizo un segmento)
|
5.
Falso movimiento (1975)
|
13.
Cielo sobre Berlín (1987)
|
21.
Buena Vista Social Club (1999)(documental)
|
29.
Palermo Shooting (2008)
|
6.
En el curso del tiempo (1976)
|
14. Notebook
on Cities and Clothes (1989)
|
22.
El hotel del millón de dólares (2000)
|
30.
Pina (2011) (documental)
|
7.
El amigo americano (1977)
|
15.
Hasta el fin del mundo (1991)
|
23.
Ten Minutes Older (2002) (hizo un segmento)
|
31.
La sal de la tierra (2014) (documental)
|
8.
Relámpago sobre el agua (1980) (doculmental) (codirigida con Nicholas Ray)
|
16.
¡Tan lejos, tan cerca! (1993)
|
24.
El alma de un hombre (2003) (documental)
|
32.
Todo saldrá bien (2015)
|
Zhang Yimou
Por Jorge Le Brun
Máximo
representante de la escuela de cine china contemporánea; Yimou es el más
occidental (¿O más universal?) de los cineastas chinos y uno de los que estoy
descubriendo, bueno a excepción de sus títulos más comerciales. Tras tener que
abandonar sus estudios por sucesos políticos que desembocaron en su país,
trabajar durante 10 años como obrero agrícola y más tarde en una fábrica de
textiles de algodón como operario, cuando ya tenía 28 años, fue cuando se en barca
en su aventura e ingresó en la Academia de Cine de Pekín; empezando una carrera
fílmica a una edad mayor que la que muchos hubieran imaginado empezar. Tras
graduarse, empezó a trabajar como fotógrafo, dibujante y posteriormente como
operador de cámara en producciones. Su cine tiene una gran técnica en el plano
fotográfico; su obra ocurre en un universo que se encuentra dentro del drama
simbólico de carácter costumbrista y rural en donde afirma que “la gente en la
miseria es lo más importante del arte”.
Sorgo rojo
(1987), La linterna roja (1991), La casa de las dagas voladoras (2004) y
la más famosa, Heroe (2002) son algunos de los títulos que se transmiten en la
arquitectura de su casa. El rojo (creo que se nota con el nombre de algunos
títulos) es un color recurrente a lo largo de los cuadros. Un vanguardista, inventor
de su propia forma de narrar, entre sus temas están la vida moderna china, “la
China profunda" a través de un realismo crudo, y finalmente, la miseria y la lucha
por la dignidad del hombre y en gran parte de su trabajo, por la mujer que
generalmente es retratada por una luchadora incansable. Un revolucionario en su
país (con las clasificaciones chinas no se juega) con gran reconocimiento
internacional, y claro, si hay artes marciales y demás en sus películas.
Los
largometrajes de su filmografía hasta el día de hoy, son:
1.
Sorgo rojo (1987)
|
11.
Happy Time (2000)
|
2.
Daihao meizhoubao (1989)
|
12.
Hero (2002)
|
3.
La semilla de crisantemo (1999)
|
13.
La casa de las dagas voladoras (2004)
|
4.
La linterna roja (1991)
|
14.
La búsqueda (2005)
|
5.
Qiu Ju, una mujer china (1992)
|
15.
La maldición de la flor dorada (2006)
|
6.
¡Vivir! (1994)
|
16.
Movie Night (2007) (hizo un segmento)
|
7.
La joya de Shanghai (1995)
|
17.
Una mujer, una pistola y una tienda de fideos chinos (2009) (remake de Sangre
fácil, de los hermanos Coen)
|
8.
Keep cool (1997)
|
18.
Amor bajo el espino blanco (2010)
|
9.
Ni uno menos (1999)
|
19.
Las flores de la guerra (2011)
|
10.
El camino a casa (1999)
|
20.
Coming Home (2014)
|
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