31/12/15

La Palabra De Nuestro Señor...Lo Mejor Del 2015 En El Cine!


Y aquí una lista de lo mejor de este 2015, un año de grandes revelaciones y consolidación de carreras, y un año en el que pudimos ver mucho más cine que en otros, afortunadamente nunca suficientes ¡Disfrútenlo!











PIXELES
Adam Sandler lo hizo de nuevo; no recuerdo haber visto algo de prominente carga nostálgica desde Transformers. Y es que el genial comediante nos regaló un reencuentro con videojuegos que, aunque pudieran haber tenido su auge antes de que muchos naciéramos, no estuvieron ausentes en nuestra infancia. Por eso Pixeles está en el Top de las mejores películas del año, que además goza de excelentes actuaciones y un guión de exquisita genialidad.




50 Sombras de Grey 
Sin duda la película más exitosa del año, y no era para menos. El erotismo poético y la belleza cinematográfica y hacen de esta película una completa obra de arte que además ofrece oportunas referencias literarias, principalmente al clásico Marqués de Sade. Todos pudimos deleitarnos con la interpretación de Dakota Johnson, tal vez el descubrimiento más grande de los últimos años; ¡cuídate, Merly Streep!




Ciudades de papel
¡Pero qué cosa tan hermosa! No tengo más qué decir.




Rápido y furioso 7
Una de las sagas épicas más importantes de la historia del cine. El drama llega a su clímax en esta apasionante historia de venganza, cerveza corona, marcas asiáticas y familia. Esta epopeya da una de sus historias más emotivas, con grandes actuaciones de Dominic Toretto y el hermano de Paul Walker, en donde nuevamente el guión fue la estrella y nos regala uno de los finales más emotivos jamás realizados. Con magistral música hecha con los instrumentos de Wiz Khalifa y compañía.  




4 Fantásticos
Uno de los trabajos de ciencia ficción más interesantes desde 2001: Una Odisea en el Espacio. Podemos presumir ya de que hablamos de la primer obra maestra nacida en este año. La interpretación de Jamie Bell como un hombre de piedra nudista es simplemente histórica.




Transformers: Age of Extinction
Esta es de 2014, pero alguien tenía que decirlo, Michael Bay es sin duda el director más influyente de su generación y uno de los grandes poetas que ha dado el cine. Sin duda una de sus películas más inteligentemente planteadas hasta la fecha y de las más difíciles de ver por sus entramados complicados; a parir de aquí las pretensiones de Bay suben como la espuma.



Los Ridículos 6
Woody Allen hace una película cada año ¡que va! Adam Sandler hace dos, a partir de ahora, claro. Un excelente western que nos demuestra que no hemos visto todo en el género.  



Búsqueda Implacable 3: Todo Termina Aquí
Una de las historias de venganza con tintes shakesperianos más estremecedoras. Bryan Mills continua su búsqueda implacable y se da cuenta que a quien buscaba era a si mismo todo este tiempo, y que todo estaba en su cabeza ¡Me encanta este final!




El destino de Júpiter
Los Wachowski siempre superandose; excelente personaje interpretado por Mila Kunis.




Héroe de centro comercial 2
Sin ninguna duda 2015 fue el mejor año del cine de los últimos 5, y la joya de la corona es esta excelente secuela y una de las mejores comedias del mileno. Kevin James se luce en su protagónico. Como mínimo esta película no debe ser solo nominada; debe ser premiada en todo lo que le pongan enfrente. 





Esperemos que esté claro que aunque esto es una broma, la experiencia de ver películas, aunque no nos gusten es algo estimulante, saludos y nos vemos en 2016. 


Cotton Club (Francis Ford Coppola 1984)

Jazz, alcohol, mujeres y muchas balas

Por Jorge Le Brun


"Todo lo que se necesita una película es una pistola y una dama"
- Jean-Luc Godard


Laurent Jullier desde su pluma, nos explica sobre la relación historia de la música y el cine; en el trascurso de la historia del séptimo arte, las bandas sonoras son cada vez más importantes y su riqueza es un factor estético para una producción audiovisual. De entre los géneros musicales más queridos, el jazz ha sido uno de los que tienen mayor uso; ya sea un extraterrestre cabezón, un sicario o un tipo marginado, el personaje del músico de jazz ha sido utilizado como arquetipo básico del universo cultural americano. Los grandes músicos del género tocaban en salas de proyección para musicalizar el cine mudo, además, no es casualidad que este personaje tipo fuera el protagonista de The Jazz Singer (Alan Crosland, 1927), este trabajo interpretado por un actor blanco pintado todo de negro a excepción de los labios (racismo power) fue la primer película sonora.



El tema de aquella película no era casualidad, en grandes urbes y la comunidad negra el jazz era lo sexy, y la ciudad de New York lo puede testificar. En los años 20s, en la época de la prohibición del alcohol, Owney Madden, un poderoso gangster local, adquirió del boxeador Jack Johnson un club que este había abierto en el barrio de Harlem. Lo hacía, a través de sus abogados, desde su celda de Sing Sing y lo bautizó como Cotton Club. Nació así uno de los clubs nocturnos más míticos de la historia; celebridades, señores del crimen, artistas y políticos, todos deleitados con una nómina artística formada por cantantes, bailarines y músicos negros con exóticos shows en la pista frente al estrado. Con una clientela blanca, pues los negros (pese estar el club en Harlem) podían entrar solo como artistas; los negros iban para vivir, los blancos para divertirse.


























El en ese entonces famoso productor Bob Evans (conocido por películas como Chinatown o El Padrino) se había hecho de los derechos de un libro que documentaba la historia de la música jazz y los míticos pasajes del Cotton Club; estaba recién independizado de la Paramount Pictures e imaginaba una especie de Vito Corleone en musical; el mismo quería dirigir la película. Un proyecto muy ambicioso y que ya tenía muchos gastos de por medio; Al Pacino y posteriormente Sylvester Stallone (gran cambio) habían renunciado a uno de los protagónicos que terminó en manos de Richard Gere. Es así, cuando ya está casi todo listo y los gastos son estrafalarios cuando Evans recuerda que no es un director de cine, y desesperado acude a al cineastas con quien mantuvo más tensa relación (lo despidió y recontrato como 3 veces durante el rodaje de El Padrino), Francis Ford Coppola y a Mario Puzo (escritor y guionista) para que hicieran un milagro. Coppola estaba igualmente desesperado por grandes problemas financieros de sus últimas películas (One from the Heart 1982, The Outsiders y Rumble Fish 1983) y su cruzada por hacer películas que quería lo tenían con poco trabajo con los señores de Hollywood; no fue difícil de convencer.



¿Cuál fue el resultado? Reconocimientos de parte de la crítica, 2 nominaciones al premio Oscar, 1 nominación al premio BAFTA, 2 a los Golden Globe Awards y un rotundo fracaso en taquilla que dejó a Coppola casi acabado (pasaron muchos años para que llegara a recuperarse y congraciarse nuevamente) y acabo totalmente con la reputación de Evans, no ha podido recuperarse hasta el día de hoy de la irrelevancia en la que cayó después de este ambicioso proyecto que también le dio muchos problemas financieros y legales que duraron muchos años ¿Y la película? De los trabajos menores de su director, es uno de los más deliciosos visual y auditivamente; una ambientación que rinde cordial tributo al cine de los 20s, y un diseño artístico que vale la pena ver.



El reparto de esta cinta es en realidad coral, hay bastantes personajes y se reparten la pantalla en tiempos similares, pero todos giran en torno a 2 relaciones, la de un par de hermanos blancos y un par de hermanos negros. La primera de estas empieza cuando un trompetista en el Cotton Club, Dixie Dwyer (Gere) salva la vida de Dutch Schultz (James Remar) un poderoso señor del crimen judío cuando un par de matones disfrazados de policías intentan matarlo; Dutch en agradecimiento le da un trabajo a Dwyer: cuidar de su novia, Vera Cicero (Diane Lane) y ser su chofer; la atracción entre la fémina y el trompetista se volverá pasional, y todo mientras el hermano de Dixie, Vincent Dwyer (interpretado por el sobrino del director, un joven Nicolas Kim Coppola, conocido al día de hoy como Nicolas Cage) consigue trabajar para Dutch y hacer una carrera en el bajo mundo de Manhattan. La segunda historia es de los hermanos Sandman y Clay Williams, dos bailarines afroamericanos, recientemente contratados en el Club y que batallan con un odioso supervisor racista, la marginación, y en el caso de Sandman (Gregory Hines) con el enamoramiento de una cantante mulata de nombre Lila (Lonette McKee) que se hace pasar por blanca para tener más posibilidades de convertirse en una estrella. El club funciona como un débil nexo entre las dos líneas argumentales.




El Cotton Club fue un lugar en donde los grandes músicos como  Fletcher Henderson, Duke Ellington, Count Basie, Bessie Smith, Cab Calloway, The Nicholas Brothers, Ella Fitzgerald, Louis Armstrong, Nat King Cole, Billie Holiday o Ethel Waters, dieron ritmo alguna vez, "Celebrities Nights", a las cuales asistían de público personas destacadas de la política y la cultura, como Jimmy Durante, George Gershwin, Eddie Cantor, políticos como el alcalde Jimmy Walker, artistas como Charles Chaplin, James Cagney, Gloria Swanson o mafiosos como Lucky Luciano y su mismo dueño, Owney Madden; son los personajes son pintorescos y la cantidad de ellos lo que produce tanto deleite al ver este trabajo. La interpretación de Gere como el músico que termina convirtiéndose en actor de Hollywood es entretenida, pero me resulta más interesante el papel de Diana Lane, que hace de Vera Cicero, una sensual, ambiciosa, risueña y con sueños de actriz, en su look (el corte de cabello) podría decirse que es la madre del personaje de Mia Wallace (Pulp Fiction 1994) pero también en el trasfondo de sus personajes: la pareja de un señor del crimen que tiene que ser cuidada por uno de los empleados del gangster y con una tensión sexual evidente, salvo que aquí eclosiona.



























James Remar interpretando al traficante Dutch, se convierte en un violento, posesivo, y agresivo criminal que piensa que es dueño de lo que pone en sus manos, incluso de las personas. Los hermanos Williams juegan sus cartas y tienen una buena escena final, también el papel de un joven Morfeo, Laurence Fishburne como el criminal negro Bumpy Rhodes se hace notar, aunque es la excéntrica pareja hecha por los socios y dueños del Cotton Club, Owney Madden (Bob Hoskins) y Frenchy Demange (interpretado por Herman Munster, alias Fred Gwynne) los que le dan más color aún más color a la cinta; el primero como un duro pero pragmático mafioso irlandés y mecenas del entretenimiento que ofrece a Dixie Dwyer la oportunidad de ser una estrella Hollywoodense y el segundo  como un enorme, frío y bastante suspicaz compañero con poca tolerancia a los enemigos.


En cuanto a detalles de la puesta en escena, la coreografía muy destacable (donde destacan los números de los hermanos Williams) y claro está, la excelente banda sonora, cuyos arreglos y composiciones fueron hechas por John Barry, en la que se combina swing, dixie, ragtime e incluso blues, con algunos temas de Duke Ellington e Irving Mills, entre las que son destacables Crazy Rhythm, Minnie The Moocher, The Mooche, entre otras melodías. Y es gracias a estos elementos que Coppola se permite realizar el sello de la casa, el montaje en paralelo; alternar equitativamente las secuencias musicales con otras de violencia en donde los gangsters hacen cosas de gangsters. Película que aun costando valorar al día de hoy, puede verse algo de su influencia visual, en musicales o algunas películas de gánster contemporáneas. 













29/12/15

The Belly Of An Architect (Peter Greenaway 1987)

La panza grecolatina

Por Jorge Le Brun


“El fanatismo consiste en redoblar el esfuerzo cuando has olvidado el fin”.
- George Santayana


Las obras de arte son un medio de comunicación en medida de lo que expresan y las referencias culturales de sus respectivos públicos. En el arte se han expresado sentimientos y abstracciones de los mismos, pero también ideas concretas; filosóficas, políticas, se trata más bien de la objetivación de la conciencia; esa maldita de la que los surrealistas intentan escapar utilizando los sueños y elementos inconscientes para crear sus obras, pero incluso en la técnica (o carencia de esta) ¿Podríamos decir que hay una ideología plasmada? De alguna forma tal vez esto tenga algo de cierto, ejemplos hay en los diseños arquitectónicos a través de la historia, los nazis querían emular al imperio romano, la escolástica fue una corriente filosófica que influyó en el arte realizada durante el medievo, el barroco fue influido por la contrarreforma católica, y podemos observar que a más antiguo mayor sencillez en el diseño pues las referencias ideológicas eran menores, pero no inexistentes.

El director de cine Peter Greenaway lo entiende como pocos; su obra trata sobre esto y su propuesta visual es romper con el lenguaje cinematográfico aún en uso en búsqueda de nuevas formas, "el cubismo en el cine", afirma. Sus cuadros son los de todas esas pinturas, sin importar el dialogo o movimiento que realice su cámara; él trata de crear “sus pinturas sonoras”. En este caso nos recuerda al arquitecto Étienne-Louis Boullée, a través de un fanático empedernido que trata de abrir una exposición sobre sus proyectos mientras lidia con un fatídico dolor estomacal y una creciente paranoia contra su esposa.

The Belly of an Architect contiene numerosas referencias a la vida y obra de Boullée, nacido en 1728, el cual nunca se casó y, en contraste con un desarrollo teórico inusualmente extenso (del cual es uno de los más grandes referentes en la arquitectura), fueron escasas las obras que construyó. Comienza la historia con el arquitecto americano Stourley Kracklite (Brian Dennehy), llegando al orgasmo en un vagón de tren en pleno acto carnal con su mujer, Louise (Chloe Webb) y claro, entrando en tierras romanas. Durante la noche, en una interesante toma que recuerda a una obra pictórica, Kracklite preside la inauguración de una exposición sobre Boullée en la que ha trabajado gran parte de su vida, donde se da una escena que al día de hoy se encuentra en vías de extinción en la vida real, el aplauso del público ante una obra de arte para reconocer el mérito del artista; vivo o muerto para no escucharlos.

El conflicto de la historia se da cuando nuestro fanático de Boullée empieza a sentir un gran e incesante dolor en el vientre, tiene terrible paranoia de que alguien lo está envenenando, y comienza a escribirle en un diario a “su héroe” muerto muchos años antes de que el hiciera su exposición con la esperanza de mantener (o imaginar) una relación epistolar con Boullée. Mientras esto sucede, algunos de los socios de Kracklite, conspiran contra su proyecto, e intentan apropiárselo, pero no solo eso, uno de estos socios también toma a la mujer del arquitecto.

La historia no es del todo precisa y en muchas ocasiones solo funciona para ir moviendo el lenguaje audiovisual propuesto por Greenaway, pero no se pueden negar los temas que son denunciados por el arquitecto Kracklite a lo largo del metraje. Dice alguien que “El mundo de Kracklite consiste esencialmente en la relación con ese ser encarnado por Boullée. Uno está hecho en referencia al otro; relación en espejo donde uno ofrece al otro su imagen invertida”. El arquitecto está obsesionado con Boullée al punto de escribirle, se identifica profundamente con este, pues en realidad él es un gran planificador que nunca terminaba sus proyectos, piensa que morirá de la misma forma que su héroe; la neurosis lo lleva a plantearse ese problema existencial entre lo “concreto” y el cada vez más despreciado aspecto teórico en las sociedades modernas; su propia esposa le echa en cara su escasa producción arquitectónica que según ella ironiza, Boullée no es sino un invento del propio Kracklite. Todo lo dicho mientras el arte, que siempre expresa lo ideológico, es manejado por intereses materiales que se ven en la película por medio de los hermanos Speckler: Caspasian seduce a Louise, y Flavia se convierte en la sombra de Kracklite al documentar lo que hace en sus delirios; todo para finalmente hacerse con la exposición.























Es en los delirios y la soledad en la que se encuentra el protagonista en donde se aprecia la esencia del trabajo de Greenaway, la ciudad de Roma es un grato personaje que cumple su papel al mostrarse tal cual. La soledad de Kracklite es vista por una atmósfera atemporal y grecolatina en donde la fotografía imita perfectamente los elementos de grandes cuadro. La mayor parte del trabajo es vista en planos generales incluso en la intimidad o los diálogos, haciendo escenas largas y con pocos cortes e imitando el arte de autores como De Chirico, Rembrandt, Jan Vermeer, Jan Six en su contenido visual. Como se menciona en la escena desarrollada en los baños de Adriano  “las ruinas romanas hablan por sí solas, ya que lo que no se ve se puede imaginar”. Desde la llegada a Roma se empiezan a ver panorámicas similares a postales, de paisajes naturales y edificios representativos todo con la propuesta del director; la película está llena de espectaculares ambientes barrocos que se sostienen esta vez en la propia geografía urbana de la capital italiana.























La escultura no queda fuera de este relato y es que entre las obsesiones que Kracklite desarrolla venido con la paranoia de que su esposa lo envenena con higo (cual Augusto imperial), una obsesión con los vientres que nadie a su rededor puede entender; imágenes del abdomen de hombres romanos algunos muy prominentes y otros un tanto curveados, que son fotocopiados de esculturas (y pinturas) en su mayoría. Una obra que se sirve de lo formidable de su entorno para evidenciar lo pequeño que somos y lo diminuto que son a veces nuestros dramas en el universo de las representaciones. Otro ejemplo de la escultura se ve cuando el arquitecto tiene un dialogo con su doctor en un pasillo en el que hay varios bustos de emperadores romanos y el médico habla de sus distintas vidas y sus formas de morir con un denominador común, sufrimiento.


Nepturno de Agnolo Bronzino, uno de los vientres a los que se hace referencia en el metraje

La música es realizada por las partituras de Wim Mertens y Glenn Branca que acompañan las imágenes logra momentos de forma magnificente; con Struggle for Pleasure como tema principal, la cual acompaña paisajes antes de introducir a escenas importantes, la cual acompaña e introduce la atmosfera de urbe antigua y casi onírica durante la historia.























Película que odiaras si no quiere imaginar más signos en el lenguaje cinematográfico o que amaras si gustas de todo. La historia de un hombre hipocondriaco y sentenciado, lleno de delirios y en autodestrucción, un arquitecto que intenta comunicarse con el hombre al que quiere emular en cada aspecto; no por nada el estómago concentra la mayor parte de la carne del cuerpo y ahí está el ombligo, esa cicatriz que queda al romperse el cordón umbilical con alto poder simbólico, por algo algunos quieren ser “el ombligo de algo”, quieren estar rodeados del grueso de la carne, o dicho en otras palabras, rodeados de lo más colosal de la arquitectura.  



24/12/15

About Schmidt (Alexander Payne 2002)

Querido y patético señor Schmidt

Por Jorge Le Brun



“¿Qué diferencia he hecho yo? ¿Qué mejoró en el mundo gracias a mí?”(...)“cuando todos los que me conocieron hayan muerto, y hayan muerto los que los conocieron a ellos, será como si yo no hubiera existido jamás”


Jack Nicholson, quien comenzara su carrera actoral con The Cry Baby Killer (Joe Addis 1958) es quizá el actor más importante de los 70s, pero también de los 80s, bueno también era un rockstar de los 90s. Antes de que los Johnny Depp y “las niñas raras” aparecieran, Jack ya hacía era el especialista en caracterizar a los personajes “extraños” en la industria de lo políticamente correcto (Hollywood), todos los sujetos que no serían aceptados por la sociedad de existir de verdad pero que adoran verse en la pantalla, esos eran de Nicholson. 12 veces nominado al premio de la academia y 3 veces ganador, no podría decir que alguno es el mejor (aunque soy de los que a veces pone en ese lugar a Gary Oldman, quien nunca ha ganado la estatuilla del tipo desnudo), pero sin duda alguna es de la máximas referencias en lo que a actuación se refiere. Ya sea que era un padre de familia al borde de un estallido homicida, un escritor obsesivo-compulsivo, el diablo, un  mafioso irlandés-estadounidense, un cruel coronel del cuerpo de marina americano, un detective o el villano de batman que “baila con el diablo a la luz de la luna” y desea aplicarle un “enema” a Ciudad Gótica, entre muchos otros, el sello de este histrión es la intensidad de los papeles que realiza, lo cual vuelve aún más interesante la interpretación de About Schmidt; más interesante al ser uno de sus personajes con carácter más bien circunspecto; lo diferente dentro de lo diferente.

El director Alexander Payne y su guionista habitual Jim Taylor (en todas sus películas a excepción de Nebraska 2013) se caracterizan por la sátira de la sociedad estadounidense, especializándose en comedias con gran introspección; podemos decir que suele retratar tragicomedias. En este caso la mancuerna narra la historia de Warren Schmidt, un anciano que se encuentra en varios dilemas existenciales que lo llevan a un par encrucijadas simultaneas. Para empezar, tiene 66 años y se acaba de jubilar tras trabajar durante toda su vida en una empresa de seguros y se siente completamente perdido; su otro problema, su hija a punto de casarse con un palurdo vendedor de albercas inflables. Schmidt obtiene un catalizador cuando su mujer con la que compartió más de 40 años fallece de forma repentina. Solo y perdido, Warren descubre que su mujer lo estuvo engañando en relaciones incestuosas, eso le da la energía que necesita para emprender un viaje en furgoneta hacia Denver con el propósito de evitar el matrimonio de su hija.

El personaje de Schmidt es simplemente demoledor, probablemente odioso si no fuera por la forma en que es narrada, es odioso porque refleja todo lo que en ocasiones se odia de uno mismo; una vida que sientes desperdiciada por dedicarla a un trabajo que no gusta pero del que generas un estado de confort y no sabes qué hacer cuando terminas tu ciclo, has perdido contacto contigo mismo y no sabes quién eres tú, ni que te gustaba hacer. El protagonista tiene problemas con su identidad, como efecto de las modificaciones que registra en la interacción con otros y su “falta de un lugar propio”. En los primeros minutos de la historia, durante el viaje y el desarrollo de la historia manda semanalmente cartas corresponsales a una organización de ayuda a niños huérfanos, con el propósito de ayudar a un niño africano llamado Ngudu a través de donaciones; este personaje que nunca hace acto de presencia es al confesionario de Warren, a ese niño que ni sabe hablar su idioma le cuenta todo y desnuda su alma en el trayecto de todo la película, dándonos acceso a lo que piensa el protagonista; la fundación solo le pide que mande información sobre él en los cheques que manda para ayudar a Ngudu, pero él toma esto como una oportunidad para mantener una relación epistolar con alguien que duda pueda entenderle pero que le permite desahogarse. Alguien dijo “Schmidt no es capaz de comunicarse con nadie, ni siquiera con un chico de seis años. Su actitud despectiva para con el prójimo demuestra la endeblez de su preocupación por el niño, pero su cerrazón parece insoluble”.

En el camino a buscar refugio con su hija Jeannie (Hope Davis), Schmidt entablará extraños lazos personales en la zona de Nebraska mientras, a la vez redescubre su melancolía con el mundo; intenta no sentirse tan perdido ni tan extraño recorriendo distintos lugares, e intenta consolarse con el dolor de la pérdida  y la tristeza de la soledad, mientras sigue mirando su entorno ve todo tan inútil como carente de un sentido lógico. Todo tratado en un principio con gran humor negro e ironía, un gran mérito de Payne con ese desolador paisaje.














Las interpretaciones de esta película son las adecuadas, no solo de Nicholson, ni de Davis que interpreta a la hija sufriente de que su padre desprecie su elección sentimental y se mantiene muy alejada de él mientras le reclama permanentes cheques para solventar la boda; también está el simpático papel de Kathy Bates como la madre del tipo con el que la hija de Schmidt se piensa casar, una matriarca palurda, excéntrica y desalineada con un perturbador amor por los baños en jacuzzi desnuda donde pueda ser vista.

























Ante las múltiples pérdidas a las que cualquier de la tercera edad se ve sometido, Warren no quiere tener una más. Así, asume la castración en el legado a su propia hija con la condición del sostenimiento paralelo de la relación ideal que mantiene con su ahijado. Esta relación le permite volcar todo lo que hubiera deseado que sea su vida. Finalmente la historia trata sobre el deseo de la inmortalidad o la significación en la búsqueda que quizá algún día los que seremos más viejos emprenderemos para obtener un receptor de nuestros respectivos legados, la búsqueda de dejar algo de nosotros en este mundo. La película es todo menos complaciente, y no es lo que deleita a la academia para recibir premios y pese a ello tuvo varias nominaciones en su momento, una historia donde todos son unos imbéciles, los cretinos que nosotros mismo somos. 





22/12/15

¿Y Si Los Directores Fueran Arquitectos?

"La arquitectura es como una escena de una película donde la historia es la vida, el guión es dictado por el uso de los edificios y los actores son los habitantes. Un laberinto donde todo - personajes, director, espectadores - se pierden y se reencuentran en la intensidad de sus emociones"
- Federico Babina

¿No es acaso el director de cine el arquitecto de su filmografía? Bueno, filosóficamente hablando eso se puede aplicar a casi cualquier aspecto de la vida, pero como estamos hablando de cine, creo que sería pertinente dejar claro que sin importar que un cineasta sea “autor” o “artesano” está construyendo una casa metafórica que será conocida como su filmografía. Los dibujos hechos por Federico Babina que presentaré a continuación, tienen rato en mi posesión, pero decidí acompañar con algo referentes a cada una de las exóticas casas para un análisis más enriquecedor. Ya conocía gran parte del trabajo de algunos de estos cineastas y al menos las características de algunos; no negaré también que algunos me eran desconocidos del nombre. Es una lista bastante variada y como siempre, ni son todos los que son ni son todos los que están; una casa diseñada por los arquitectos David Cronenberg, Jan Svankmajer, Terry Gilliam o Akira Kurosawa son de las que mayores ausencias, también algún director latinoamericano, para este ejercicio en partículas no hubiera estado mal una casa de Guillermo Del Toro por ejemplo, independientemente que nos guste o no ¿Qué otra obra arquitectónica del cine te gustaría ver? ¿Por qué?

Aquí el trabajo realizado por el artista italiano y su página:





Abbas Kiarostami
Por Jorge Le Brun

El más conocido cineasta que haya nacido en Irán, el más polémico de su país (teniendo en cuenta las restricciones casi imposibles y la atmósfera general de represión en Irán en los últimos 30 años), y uno de los que menos conozco; evidentemente (y afortunadamente) yo no soy la vara para medir el reconocimiento internacional del que goza el día de hoy Kiarostami, todo un rockstar de los festivales de cine. Una de las características de este director es del desarrollo del “cine dentro del cine”, juega de forma continua con la ficción y el documental convirtiéndolos en algo distinto a su dicotomía. Como se ve en el largo camino de su casa, los planos largos con conversaciones y caminatas (aunque gusta mucho de las pláticas en automóvil) es una de sus marcas, los largos shots panorámicos son otra de sus características, según los auténticos expertos de este cineasta sus películas están cargadas con una profunda espiritualidad filosófica y logran fotografiar la poesía persa; un claro ejemplo de ello puede ser la imagen del árbol que está en la casa de la imagen, es una referencia a la película El sabor de las cerezas (1997) en donde hace un homenaje a Fresas silvestres (1957) del gran cineasta Ingmar Bergman.

También ha dirigido algunos documentales, entre los que podríamos destacar un encargo de la ONU, ABC Africa (2001), en el que habla de UWESO, una iniciativa de la ONU que ayuda a las mujeres en Kampala, quienes suelen adoptar niños (además de tener hijos propios) debido a la gran cantidad de muertes por SIDA y malaria. Es mucho lo que ha hecho este artista total, que también es un poeta, fotógrafo, pintor, dibujante y diseñador.

Los largometrajes de su filmografía hasta el día de hoy, son:

1. Experiencia (1973)
11. A través de los olivos (1994)
20. A cada uno su cine (2007) (hizo un segmento)
2. El viajero (1974)


12.  A propósito de Nice, la suite (1995) (hizo un segmento)
21.  Shirín (2008)
3. Un traje para la boda (1976)


13. Lumière y compañía (1995) (hizo un segmento)
22. Copia Certificada (2010)
4. Gozaresh (1977)


14. El sabor de las cerezas (1997:)
23. Like Someone in Love (2012)
5. Conciudadanos (1983) (documental)


15. El viento nos llevará (1999)

6. Párvulos (1984) (documental)
16.  ABC Africa (2001) (documental)
7. ¿Dónde está la casa de mi amigo? (1987)
17. Diez (2002)
8.  Deberes (1989)
18. Five Dedicated to Ozu (2003)
9.  Close Up (1990)
19. 10 sobre diez (2004)
10. Y la vida continúa (1992)
20. Tickets (2005) (hizo un segmento)









Aki Kaurismäki
Por Jorge Le Brun

Finlandés y egresado de la Universidad de Tampere en la carrera de medios de comunicación. Él mismo hace parte del cine contemporáneo y se le considera como un realizador de cine de autor por unos o como simplemente "un diseñador de la pantalla, un esteticista vacío, quien antepone la belleza formal a los contenidos intelectuales, filosóficos, morales o sociales, con la frialdad de la postmodernidad, siempre a la búsqueda de cierto perfeccionismo". El mismo (algo pedante y pretencioso decirlo) se considera un “auteur” por ser su propio guionista, director, productor y también editor; lo cual implica tener todos los poderes; sus mecenas deben ser unos santos.

Fuera de lo que salga de su boca, este cineasta si tiene un estilo definido; con un trasfondo entre marxista, recalcitrante existencialismo y cultura pop estadounidense. En sus películas, los personajes suelen ser intensamente lacónicos; la articulación de los diálogos suele ir extremadamente “al grano”, sin adornos, directo y en lengua estándar estricto, con baja expresividad; él llama eso diálogos-revólver, ya que las palabras funcionan como balas. Casi se acentúa la línea de separación entre los protagonistas, cuyas miradas no se cruzan, muchas veces ni siquiera en una habitación. Gran parte de las narraciones de su autor ocurren en la ciudad de Helsinki. De cine minimalista, eso puede verse en la arquitectura de su casa que parece hecha con materiales sobrados y bellamente sencillos; esto está presente incluso en la duración de las películas, que afirma que nunca deberían durar más de hora y media, norma que siempre cumple. En sus películas dominan los silencios ("si la película se lleva a un nivel minimalista aún el simple sonido de una tos puede ser bastante dramático", afirma), una melancolía siempre abierta a redención y trabajadores de condición humilde como personajes.

Los largometrajes de su filmografía hasta el día de hoy, son:

1. Crimen y castigo (1983)
8. La chica de la fábrica de cerillas (1990)
15. Un hombre sin pasado (2002)
2. Calamari Union (1985)
9. Contraté a un asesino a sueldo (1990)
16. Luces al atardecer (2006)
3. Sombras en el paraíso (1986)
10. La vida de Bohemia (1992)
17. Le Havre (2011)
4. Hamlet va de negocios (1987)
11. Toma tu pañuelo, Tatiana (1994)
18. True Crimes (2016) (próximamente)

5. Ariel, 1988
12. Leningrad Cowboys Meet Moses (1994)

6. Likaiset kädet (1989)
13. Nubes pasajeras (1996)
7. Los vaqueros de Leningrad van a América (1989)
14. Juha (1999)







Alfred Hitchcock
Por Jorge Le Brun

El director más grande que dio Inglaterra y quizá el más importante en dirigir en Hollywood (hay algunos para tener ese debate); este personaje no necesita presentación (aunque hacia muchas presentaciones): la serie de televisión, sus cameos, las técnicas para publicitar sus películas y claro, la melodía Funeral March of a Marionette de Charles Gounod, todo esto convirtió la silueta del perfil de Hitchcock y al mismo director en un auténtico icono de la cultura pop; a lo mejor no has visto sus películas, pero sabes perfectamente quien es y que hizo. Gracias a su influencia puedes verlo en muchos lados; en el género de suspenso, el thriller psicológico y en sus esquemas; de todo esto fue el pionero, claro, también podrás ver al regordete en el cine de Brian De Palma, quien le rinde bastante tributo.

Un cineasta puro, de joven se dedicaba a hacer rótulos para películas; de ahí pasó a montador y director artístico en sus primeros años. Podemos darnos cuenta que la casa de Hitch parece un enorme callejón donde los asesinatos y el humor negro son la orden del día. La arquitectura representa el Motel Bates de su película Psycho (1960); las grandes ventanas donde puede verse lo que hace la gente como cuando convertía al público en voyeristas con la distancia y apertura de la cámara o colocaba personajes estilo Rear Windows (1954) otra referencia a esta película podría ser en las escaleras donde hay un tipo cayéndose de la parte superior del lado izquierdo o será el pérfido detective de Vertigo (1958); en la chimenea hay una referencia a The Birds (1963); también hay alguien en ese vecindario arrastrando algo en el piso del lado izquierdo ¿Será acaso The Trouble with Harry (1955)? Bueno, entre otras opciones. Tal vez la casa le queda pequeña a un director con tan extensa filmografía, que estuvo más de 50 años en activo y que empezó en los 20s en el cine mudo de su país con películas como The Lodger: A Story of the London Fog (1927), la cual quizá no fuera su primer película pero si donde podemos registrar por primera vez sus cameos y, sus obsesiones con la muerte y las rubias. Influenciado claramente por las plumas de Sigmund Freud y Franz Kafka, en personajes y situaciones respectivamente.

Los largometrajes de su filmografía, son:

1. Number 13 (1922) (no terminada y recientemente encontrada)
11. Juno and the Paycock (1930)
21. Secret Agent (1936)
31. Shadow of a Doubt (1943)
41. Dial M for Murder (1954)
51. Marnie (1964)
2. The Mountain Eagle (1925) (película perdida)
12. Murder! (1930)
22. Sabotage (1936)
32. Lifeboat (1944)
42. Rear Window (1954)
52. Torn Curtain (1966)
3. The Lodger: A Story of the London Fog (1927)
13. Elstree Calling (1930)
23. Young and Innocent (1937)
33. Spellbound (1945)
43. To Catch a Thief (1955)
53. Topaz (1969)
4. The Ring (1927)
14. The Skin Game (1931)
24. The Lady Vanishes (1938)
34. Notorious (1946)
44. The Trouble with Harry (1955)
54. Frenzy (1972) (retorno a Inglaterra)
5. Downhill (1927)
15. Mary (1931)
25. Jamaica Inn (1939)
35. The Paradine Case (1947)
45. The Man Who Knew Too Much (1956) (remake de la de 1934)
55. Family Plot (1976)
6. The Farmer's Wife (1928)
16. Rich and Strange (1931)
26. Rebecca (1940) (primer proyecto estadounidense)
36. Rope (1948)
46. The Wrong Man (1956)

7. Easy Virtue (1928)
17. Number Seventeen (1932)
27. Foreign Correspondent (1940)
37. Under Capricorn (1949)
47. Vertigo (1958)
8. Champagne (1928)
18. Waltzes from Vienna (1934)
28. Mr. & Mrs. Smith (1941)
38. Stage Fright (1950)
48. North by Northwest (1959)
9. The Manxman (1929)
19. The Man Who Knew Too Much (1934)
29. Suspicion (1941)
39. Strangers on a Train (1951)
49. Psycho (1960)
10. Blackmail (1929) (primer película sonora del director y del cine británico)
20. The 39 Steps (1935)
30. Saboteur (1942)
40. I Confess (1953)
50. The Birds (1963)

                       







Andrei Tarkovski

Por Víctor G. Gándara


Tarkovski fue un tremendo hacedor de poesía cinematográfica. Su filmografía no sólo es reconocida por la belleza que impregna, sino por el profundo contenido filosófico y espiritual. Y es que basta con decir que sus películas son un compendio de los cuadros más hermosos, cada fotograma (en todas sus obras) es un sorbo de arte que cualquiera querría tener colgado en la sala de su casa. Los escenarios, los colores, el juego de luces y cada elemento se unen para formar un producto de carácter sublime. Asimismo, Tarkovski es reconocido como uno de los máximos exponentes del plano secuencia; toda una joya ¿no?

Nació en la Rusia soviética e inició sus estudios de cine en el Instituto Estatal de Cinematografía Panruso. Su primer largometraje (La Infancia de Iván) tuvo grandes elogios y, a raíz de ello, las autoridades soviéticas comenzaron a ponerle trabas en sus próximos filmes, temiendo denuncias por parte del realizador. Esto no fue impedimento para que Tarkovski legara su bienamado cine. En sus haberes está Solaris (1972), un referente de la ciencia ficción y "respuesta rusa al 2001 de Kubrick". También Stalker (1979) y Nostalgia (1983), o la anteriormente mencionada Infancia de Iván (1962), que el mismo Ingmar Bergman valoró como “un verdadero milagro”. Pero tal vez su obra máxima es Sacrificio (1986), donde Tarkovski une todas las virtudes de sus filmes anteriores y cuya trascendencia le llevó a obtener cuatro premios en Cannes, pero que el director no pudo recibir debido a su condición por cáncer terminal.

Basta ver algo suyo para entender por qué se convirtió en uno de los más influyentes y por qué se alardea tanto la belleza de sus obras. Tarkovski, sin ser un director de cine convencional o apegado a los estándares del entretenimiento, podría sorprender incluso al más desidioso. 

Los largometrajes de su filmografía, son:

1. La infancia de Iván (1962)
4. El espejo (1975)
7. Tempo di vaggio (1983)
2. Andréi Rubliov (1966)

5.  Stálker (1979)
8.  Nostalgia (1983)
3. Solaris  (1972)


6. Borís Godunov (1982)
9. Sacrificio (1986)







Blake Edwards
Por Jorge Le Brun

Quizá su nombre esté un poco olvidado, pero cada vez que vean una comedia con una temática detectivesca, la marca de esta antigua vieja gloria hollywoodense estará muy cerca. De guionista de radio a televisión, de guionista de televisión a extra y así sucesivamente hasta llegar a la dirección en cine; el joven de grandes orejas se caracterizó en su obra por retomar los elementos cómicos de los filmes mudos; aunque a veces se alejó de la comedia o de este estilo (hizo exitosos thrillers), fue él quien recrea a su imagen las slapsticks de Charlie Chaplin, Buster Keaton, Harold Lloyd, entre otros, y todo a pesar de incluir un mínimo de diálogos.

Exploró la comedia en muchas formas y reflejo de ello puede verse en esa casa suya cuya arquitectura parece realizada para provocar accidentes; un lugar tan disparatado y lleno de personajes lelos como todo lo que escribió. En ese peculiar hogar, en el piso, al fondo a la derecha, hay una extraña criatura; este ser nació con la ayuda del comediante Peter Seller en la famosa serie de películas empezada con The Pink Panther (1963) que tuvo 7 secuelas más, y todas protagonizadas por el lerdo inspector Clouseau en busca del diamante que le da nombre al film. La primera de la serie tuvo una secuencia de apertura en animación con el icónico tema musical al ritmo del jazz de Henry Mancini, donde salía la caricatura de la pantera rosa, felino que fue posteriormente objeto de su propia serie de dibujos animados que salía al aire en los sábado por la mañana como El show de la Pantera Rosa (1969) por la NBC. El personaje se presentó en la apertura de cada película de la saga dirigida por Edwards a excepto A Shot in the Dark (1964).

Los largometrajes de su filmografía, son:

1. Bring your smile along (1955)
9. Experiment in terror (1962)
17. Darling Lili (1970)
25. S.O.B (1981)
33. Blind date (1987)
2. He laughed last (1956)
10. Days of wine and roses (1962)
18. Wild Rovers (1971)
26. Trail of the pink panther (1982)
34. Sunset (1988)
3. Mister Cory (1957)
11. The pink panther (1963)
19. The carey treatment (1972)
27. Vicor Victoria (1982)
35. Peter Gunn (1989) (película para tv)
4. This happy feeling (1958)
12. A shot in the dark (1964)
20. The tamarind seed (1974)
28. Curse of the pink panther (1983)
36. Skin deep (1989)
5. The perfect furlough (1958)
13. The race (1965) (parodiada por Hanna-Barbera con "Los autos locos")
21. The return of the pink panther (1975)
29. The man who loved women (1983)
37. Switch (1991)
6. Operation Petticoat (1959)
14. What Did You Do in the War, Daddy? (1966)
22. The pink panther strikes again (1976)
30. Micki + Maude (1984)
38.  Son of the pink panther (1993)
7. High time (1960)
15. Gunn (1967)
23. The revenge of the pink panther (1977)
31. That's life! (1986)
8. Breakfast at Tiffany's (1960)
16. The party (1968)
24. 10 (1979)
32. A fine mess (1986)








Charles Chaplin
Por Jorge Le Brun

A Jorge Luis Borges (prefería a Buster Keaton) no le gustaba para nada Charles Chaplin; Albert Einstein lo admiró, pero nadie tiene desacuerdo cuando el escritor argentino se refiere a él como “uno de los dioses más seguros de la mitología de nuestro tiempo”. Chaplin es el artista más famoso de la historia del cine y su personaje Charlot (el vagabundo “bigote de Hitler” con bombín) el icono mundial del cine mudo. Actor, comediante, productor, director, guionista y muchas veces compositor de sus propias películas, incluía entre sus técnicas los famosos slapstick, la mímica, gags basados en situaciones y demás rutinas de comedia visual, con más énfasis en el desarrollo de la relación del espectador con los personajes. El phatos es un elemento típico de las películas de su director, es decir, crear un argumento patético, por lo general de ingenuos o amistosos personajes en mundos difíciles donde las situaciones te pueden llevar de las risas a las lágrimas.

El Comentario social era una característica de su cine, siempre retratando al débil y destacando las dificultades de los pobres. También incorpora mensajes abiertamente políticos en sus películas. Se puede ver en la arquitectura de su casa una antigua factoría al estilo Modern Times (1936) representando el trabajador de la fábrica en condiciones deprimentes y sus ideales; a Monsieur Verdoux (1947) y su crítica al capitalismo, The Gold Rush (1925) con los decorados del cine mudo y claro, el personaje que se encuentra más a la derecha de toda esta factoría; el buen Charlot sosteniendo su bastón. Chaplin nunca entendió el cine como medio y quiso evitar inmiscuir la labor de la cámara lo más posible haciendo de su visualización algo simple; para él la acción era lo principal y su cine está lleno de las acciones de la humanidad; una de las figuras más importantes de su época; llegó a ser nominado al premio nobel de la paz.

Este cineasta empezó a dirigir cortometrajes y mediometrajes desde 1914, pero sus largometrajes fueron:

1. The Kid (1921)
7. The Great Dictator (1940) (primer película sonora)
2. A Woman of Paris (1923) (primer película con United Artist)
8. Monsieur Verdoux (1947)
3. The Gold Rush (1925)
9. Limelight (1952)
4. The Circus (1928)
10. A King in New York (1957) (producción inglesa)
5. City Lights (1931)
11. A Countess from Hong Kong (1967)
6. Modern Times (1936)







David Lynch

Por Víctor G. Gándara


David Lynch es uno de esos renegados del convencionalismo (consecuencia de su afición dadaísta), mas la hazaña de ser realmente influyente. Al igual que Ridley Scott se caracteriza por su habilidad en ambientación, pero las de éste tienen alcances inquietantes. Surrealista irremediable y amo de lo escabroso.

Oriundo de Montana, Estados Unidos, y estudiante de la Corcoran School of Art en Washington, donde inició sus estudios en pintura. Así nace -dando un salto del arte pictórico al cinero- como realizador de cortometrajes, donde plasma su marca surrealista. The Alphabet (1968) fue el primero, un corto lóbrego hasta los huesos y que puede encontrarse en Youtube. Para su primer largometraje, Eraserhead (1997), Lynch se vio obligado a pedir dinero a familiares y amigos, pues el financiamiento otorgado no le era suficiente para terminarla; y aunque al principio no fue comercializada -pues no cumplía los estándares-, gracias al apoyo de un distribuidor apellidado Barenholtz la película logró convertirse en un clásico de culto, siendo elogiada incluso por  Stanley Kubrick.

Entre sus influencias (reconocidas) destacan Franz Kafka, Fellini y el mismo Kubrick. Aunque sus obras tienen algo del expresionismo; él mismo refiere algunos pintores objeto de su admiración. Pero Lynch es Lynch y sus películas brillan (a pesar de su obscuridad) con luz propia. Aunque su cine pudiera no gustar a muchos, no cabe duda de que el buen David es un referente y ha influido en directores de la talla de Darren Aronofsky. El cine de Lynch no debe tomarse a la ligera, no es un productor de entretenimiento, sino de experiencias mentales que deberán tomarse con detenimiento.     

Sus largometrajes hasta hoy son:

1. Eraserhead (1977)

5. Corazón salvaje (1990)
9. Mulholland Drive (2001)


6.  Twin Peaks: Fire Walk With Me (1992)
10.  Inland Empire (2006)
3. Dune (1984)


7. Lost Highway (1997)

4. Terciopelo azul (1986)


8. The Straight Story (1999)









Elia Kazan
Por Jorge Le Brun

"El cine es el diálogo del mundo" dijo alguna vez quien fuera uno de los más influyentes directores de la historia de Hollywood; el estadounidense de origen griego, Elia Kazan; quien también fue un influyente director en Broadway; un literato en la extensión de la palabra. Kazan se destacó por su estrecha colaboración con los guionistas. En el teatro llegó a trabajar con el mismísimo Arthur Miller, también con Tennessee Williams y William Inge; en el cine, trabajó de nuevo con Willams e Inge, pero también con Budd Schulberg, John Steinbeck y Harold Pinter, convirtiéndose en una figura clave en la carrera de muchos de los mejores escritores y guionistas de su tiempo. Quizá fue un director favorecido por la academia, algunos lo recuerdan más por ser un delator durante el mccarthismo y por su imagen tan pro-estadounidense; pero su obra está por encima de esto tanto en temática como en el desempeño que mostró.

Con 19 largometrajes en su carrera y una gran cantidad de clásicos; se puede afirmar que una de las cosas en la que destacó fue en descubrir y reclutar actores desconocidos, dirigir con ellos y convertirlos en iconos de la academia. Kazan abogaba por un cierto “realismo cinematográfico”, consideraba que el actor adecuado representaba el 90% del éxito de la película; convivía con ellos a nivel personal y les daba flexibilidad para construir a sus personajes e interesarlos en ellos; Marlon Brando, James Dean, Al Pacino, Warren Beatty, Robert De Niro, Gary Lockwood, Jack Palance son algunos de los que están en deuda con este importante director en películas que destacan por su poder dramático y los temas de cuestiones personales o sociales. Puede verse el sabor a Brooklyn en el primer piso de su obra arquitectónica, al estilo de A Tree Grows in Brooklyn (1945) y Panic in the Streets (1950) y un elegante rústico en el segundo piso como en A Streetcar Named Desire (1951) ¿Qué más hay?

Los largometrajes de su filmografía, son:

1. A Tree Grows in Brooklyn (1945)
8. Viva Zapata! (1952)
15. Splendor in the Grass (1961)
2. The Sea of Grass (1947)
9. Man on a Tightrope (1953)
16. America, America (1963)
3. Boomerang! (1947)
10. On the Waterfront (1954)
17. The Arrangement (1969)
4. Gentleman's Agreement (1947)
11. East of Eden (1955)
18.  The Visitors (1972)
5. Pinky (1949)
12. Baby Doll (1956)
19. The Last Tycoon (1976)
6. Panic in the Streets (1950)
13. A Face in the Crowd (1957)
7. A Streetcar Named Desire (1951)
14. Wild River (1960)







Emir Kusturica
Por Jorge Le Brun

Uno de los directores más extravagantes y polémicos (por razones políticas) del periodo entre los 80s y 90s. Uno de los más queridos en Cannes (el Hollywood de Europa), y exbajista y compositor de una banda de rock de ideología pro-serbia con mucha sátira a la política, igual que en sus películas. Nacido en 1954 en Sarajevo (en aquel entonces República Socialista Federal de Yugoslavia), Bosnia y Herzegovina; estudió en la Academia de Artes Interpretativas de Praga (FAMU) donde realizó su primer largometraje con el que ganó un premio local, y años después se convertiría en uno de los pocos realizadores en ganar dos Palmares de Oro.

La obra de este arquitecto es rodante como las de sus singulares personajes, como verán en la imagen es una especie de colosal posada balcánica y singular en donde la arquitectura y los tendidos de los gitanos pueden verse al igual que en Underground (1995), al igual que los retorcidos personajes de Gato negro, gato blanco (1998); el bajo mundo y sus timadores. Con algunas excepciones (entre ellas dos documentales), las constantes temáticas del autor se pueden identificar en la intención de retratar a la gente de los países balcánicos; su añoranza de lo que fuera Yugoslavia; no sólo decide retratar a serbios, húngaros o bosnios, sino que también decide involucrar a musulmanes y otras culturas regionales, en donde destacan los gitanos; es cuando plasma las diferentes culturas cuando se ve su identidad. Los animales, principalmente los domésticos, suelen jugar papeles importantes como personajes o como metáforas, creando una especie de “realismo mágico” o el absurdo en su trabajo, realizando una acción peculiar e irónica llena de simbolismo. Un cine de características mayoritariamente localistas, donde trabaja principalmente el drama y la comedia, las cuales suele fungir en una en la mayoría de sus trabajos. Para algunos lleno de concesión a la excentricidad gratuita, para otro un genio polémico, pero sin duda un maestro de la farsa.

Los largometrajes de su filmografía hasta el día de hoy, son:

1. The Brides Are Coming (1978) (película para TV)
6. Time of the Gypsies (1988)
11. Super 8 Stories (2001) (documental)
2. Buffet Titanic (1979) (película para TV)
7. Arizona Dream (1993)
12. Life Is a Miracle (2004)
3. Do You Remember Dolly Bell? (1981)
8. Underground (1995)
13. Promise Me This (2007)
4. Nije čovjek ko ne umre (1984) (película para TV)
9. Bila jednom jedna zemlja (1996) (Película para TV)
14. Maradona (2008) (documental)
5. When Father Was Away on Business (1985)
10. Black Cat, White Cat (1998)
15. Words with Gods (2014)







Federico Fellini

Por Víctor G. Gándara


Fellini, como referente del cine italiano, tal vez sea el más grande; y es que la península nos ha dado genios de la talla de Pasolini, Leone y el mismo Tornatore (por citar algunos), pero el buen Federico tuvo una trascendencia considerable. Influyente y admirado por cinéfilos, cineros y cineastas. Ganador de varios premios oscar.

A temprana edad se interesó por el dibujo. Inició como periodista y colaborador en algunos periódicos y revistas; hizo tiras cómicas, sátiras. En 1945 se encuentra con Roberto Rossellini y colabora con él en la película Roma ciudad abierta. Podría decirse que fue su primer acercamiento al cine. Pero no debutó como director sino hasta 1951 con El jeque blanco. Inicia así una lista de más de 20 filmes, y aunque en la primera mitad de su carrera fue aclamado por la crítica, en sus finales tuvo un distanciamiento de la ovación.

Entre su obra destacan La Strada (1954), Le notti di Cabiria (1957), Amarcord (1973) y 8 ½ (1963), mismas que le valieron el premio de La Academia; aunque claro, eso no demerita el resto de su filmografía. Su sello le identifica como un magnífico inventor de personajes (y sus contextos); destaca una visión irónica del mundo: desde la burguesía hasta la indigencia. Habiendo iniciado como realizador de tiras cómicas y/o sátiras, destaca su sentido del humor en su obra. Desconozco a cuántos directores actuales habrá influido, pero si he de citar a uno el más claro es Paolo Sorrentino, quien -con nostalgia- trae a la modernidad lo que alguna vez Fellini regaló al mundo cinematográfico.

Los largometrajes de su filmografía, son:

1. Luci del varietà (1950)
9. Boccaccio 70 (1962)
17. Casanova (1976)
2. Lo sceicco bianco (1951)


10.  Otto e mezzo (1963)
18. Prova d'orchestra (1978)
3. I vitelloni (1953)
11. Giulietta degli spiriti (1965)
19. La città delle donne  (1980)
4. L'amore in città (1953)


12. Tre passi nel delirio  (1968)
20. E la nave va (1983)
5. La strada (1954)

13. Satyricon (1969)
21. Ginger e Fred (1986)
6. Il bidone  (1955)
14. I clowns (1971)
22. Intervista  (1987)
7. Le notti di Cabiria (1957)
15. Roma (1972)
23. La voce della luna (1990)
8. La Dolce Vita (1960)
16. Amarcord (1973)








Fritz Lang
Por Jorge Le Brun

Apodado por los ingleses como el “maestro de las tinieblas”, el cine de este austriaco solía reflejar la fatalidad y la oscuridad de la naturaleza humana. Su vida fue sin duda una película emocionante, cansado de estudiar arquitectura como su padre lo obligó, se dedicó a los estudios de las artes gráficas (principalmente la pintura) llegando a trabajar en dos cabarets vieneses y viajando cual bohemio, solo para terminar como recluta en el ejercito de su país durante la gran guerra. Decepcionado y posteriormente herido fue cuando la musa lo visitó y empezó a escribir guiones. En poco tiempo dirigiría y se convertiría en uno de los más destacados contribuyentes del movimiento del expresionismo alemán con películas como Metrópolis (1927); el éxito y la grandeza continuarían en su periodo americano, como el principal artífice de los elementos que configuraron el cine noir; todo tras huir de la Alemania nazi y dejar a su esposa, una ferviente fanática del partido.

La arquitectura de esta casa no podía ser sin coloración monocromática sepia y ámbar, como en las legendarias películas mudas de su director, como La muerte cansada (1921), la saga de Los Nibelungos  (1924), y claro está, Metrópolis que se puede ver en el artefacto que está en una de las columnas que sostienen el puente al lado derecho; entre muchas otras cosas como las características del expresionismo: los extravagantes decorados irreales y cercanos a la pesadilla para que el espectador tenga la sensación de estar en ambientes grotesco con claroscuros y elementos violentos. Lang creó un vínculo entre paisajes y seres humanos para mayor dramatismo, construyendo su propio universo y mostrando solo la naturaleza por medio de abstracciones. Algunas películas de este director son sin duda tratados de psicoanálisis, sobre todo de la construcción del lado oscuro que hace de Norteamérica en el género que logra cimentar y del que penetra en la dimensión psicológica de los personajes de forma exhaustiva;  M, el Vampiro de Dusseldorf (1931), El testamento del Dr. Mabuse (1933), Furia (1936) y Perversidad (1945) serían algunos de sus referentes.

Los largometrajes de su filmografía, son:

1. La mestiza (1919) (película perdida)
10.  Los nibelungos: la muerte de Sigfrido (1924)
19. Furia (1936)
28. La mujer del cuadro (1944)
37. Los sobornados (1953)
2. El maestro del amor (1919) (película perdida)
11. Los nibelungos: la venganza de Krimilda (1924)
20. Sólo se vive una vez (1937)
29. Perversidad (1945)
38. Deseos humanos (1954)
3. Las arañas, Parte 1 - El lago de oro (1919)
12. Metrópolis (1927)
21. You and Me (1938)
30. Clandestino y caballero (1946)
39. Los contrabandistas de Moonfleet (1955)
4. Harakiri (1919)
13. Los espías (1928)
22. El regreso de Frank James (1940)
31. Secreto tras la puerta (1948)
40. Mientras Nueva York duerme (1956)
5. Las arañas, Parte 2 - El barco de los brillantes (1920)
14. La mujer en la luna (1929)
23. Espíritu de conquista (1941)
32. El fantasma de río (1950)
41. Más allá de la duda (1957)
6. La imagen errante (1920)
15. M, el vampiro de Düsseldorf (1931) (primer película sonora)
24. El Hombre Atrapado (1941)
33. Guerrilleros en Filipinas (1950)
42. El tigre de Esnapur (1959)
7. Corazones en lucha (1921)
16. El testamento del Dr. Mabuse (1933)
25. Marea de luna (1942)
34. Encubridora (1952)
43. La tumba india (1959)
17. Liliom (1934)
26. Los verdugos también mueren (1944)
35. Encuentros en la noche (1952)
44. Los mil ojos del Dr. Mabuse (1960)
9. Dr. Mabuse, el jugador (1922)
18. Furia (1936)
27. El ministerio del miedo (1944)
36. Gardenia azul (1953)







George Lucas
Por Jorge Le Brun

Uno de los cineastas más exitosos financieramente hablando de todos los tiempos; considerado una de las figuras importantes del Hollywood postclásico, generación que salvó a la industria de los baby boomers y sus particulares gustos. Fanático empedernido y coleccionista de comics, apasionado de las carreras de automóviles, nacido en un rancho en Modesto, California, fue después de un accidente vehicular cuando decide matricularse en el mundo artístico y estudia la carrera de cine. Curioso que en su currículo estudiantil destacó por lo experimental y que al día de hoy su filmografía como director es ínfima, desarrollándose más como un productor y escritor de franquicias como Indiana Jones y su joya, Star Wars; uno de los fenómenos culturales más grandes de la historia. Creador de sus propias empresas y hecho una máquina de producción monetaria, es quizá la tecnología de animación su mayor dedicatoria al cine.

La arquitectura del inmueble de Lucas está hecha sin duda con la tecnología de sus estudios vendidos. Es la fantasía lo que más le gusta al californiano y lo mezcla en este caso con la ciencia ficción que juega un papel contextual (comunidad de sistemas en una galaxia como si fueran países en sociedad); no pretende en sus historias cuestionar a la ciencia y están cargadas de filosofía oriental. Parte del diseño de la casa está influenciado también en lo que sucede en THX 1138 (1971) que comparte universo con las naves intergalácticas que forman ese hogar. En el suelo pueden verse como vecinos probablemente a unos jóvenes vagando como los de American Graffiti (1973); una de las cintas en las que evidencia su pasión por las carreras (en la misma saga de Star Wars lo sugiere algunas veces). Las películas de Lucas son una forma de liberar sus propias fantasías para entregarlas al público, si no, recuerden, él era un joven de una granja polvorienta, amor por los vehículos y rebelde; solo que este joven creo un imperio.

Los largometrajes de su filmografía hasta el día de hoy, son:

1. THX 1138 (1971)
2. American Graffiti (1973)
3. Star Wars Episode IV: A New Hope (1977)
4. Star Wars Episode I: The Phantom Menace (1999)
5. Star Wars Episode II: Attack of the Clones (2002)
6. Star Wars Episode III: Revenge of the Sith (2005)
7. Red Tails (2012) (co-dirección sin acreditar)







Ingmar Bergman
Por Jorge Le Brun

El dramaturgo del séptimo arte; esto esta en discusión y las verdades son líquidas como la modernidad, pero aquí (reconociéndome una piedra tirada al océano) considero a Bergman el más grande cineasta que hasta hoy ha existido. Aunque afortunadamente me equivoque, los que saben más tienen el consenso de que es el más grande artista que haya dado su talento al séptimo arte; filósofos como Heidegger y Sartre, escritores como Camus y la metafísica están presentes en su obra. “El teatro es mi mujer, y el cine mi amante” describe su relación a tres bandas de donde surgieron guiones muy personales que regalan una sensación de voyeurismo sentimental en el espectador. Nacido y destinado a contar la gravedad de la nada, y el humor y la ironía de la muerte, su padre era un pastor luterano autoritario con el que guardó distancia y su madre un ama de casa; a los 10 años vio por primera vez la cabina de proyección de un cine, le fascinó tanto que le cambió a su hermano mayor la mitad de su colección de soldados de plomo por un proyector de juguete y, con los años, estudia y egresa de Literatura e Historia del Arte.

Gran cineasta, guionista y escritor, tanto de obras de teatro como de cine; abordó la condición humana, desde el punto de vista de la desesperanza, la desolación y también del humor y el sarcasmo. Estudiador cuidadoso del tratamiento de la luz, destaca como un fotógrafo de rostros con el uso de primer plano como explorador de la interioridad humana, siempre para revelar el alma; sus personajes suelen sufrir transformaciones violentas cuando se enfrentan a sí mismos y a los demás. Películas abstractas y contemplativas, pero de lectura amena; no tan densas y pesadas como se le preconcibe. La casa de Bergman como ven es de una bella iluminación y un gusto por las formas que el concebía principalmente en el blanco y negro, Persona (1966) y Fresas Salvajes (1957) me son sugeridas, aunque el rojo del primer piso es de Gritos y Susurros (1972), claro, ese árbol que se dobla podría ser de El manantial de la doncella (1978), y, dejada al final del lado izquierdo está la genial escena final (valga la redundancia) de El Séptimo Sello (1956), aunque también la forma del techo de esa casa me recuerda mucho a la muerte encapuchada.

Los largometrajes de su filmografía, son:

1. Crisis (1945)
11. Mientras la ciudad duerme (1950)
21. El séptimo sello (1956)
31. El silencio (1963)
41. Secretos de un matrimonio (1974) (Miniserie de tv)
2. Llueve sobre nuestro amor (1946)
12. Esto no puede ocurrir aquí (1950)
22. La última pareja que corre (1956)
32. Todas esas mujeres (1964)
42. La flauta mágica (1975)
3. Mujer sin rostro (1947)
13. Divorcio (1950)
23. Fresas salvajes (1957)
33. Persona (1966)
43. Cara a cara (1976)
4. Barco a la India (1947)
14. Juegos de verano (1951)
24. En el umbral de la vida (1957)
34. La hora del lobo (1968)
44. El huevo de la serpiente (1977)
5. Música en la oscuridad o Música en la noche (1948)
15. Tres mujeres (1952)
25. El rostro (1958)
35. La vergüenza (1968)
45. Sonata de otoño (1978)
6. Ciudad portuaria (1948)
16. Un verano con Mónica (1953)
26. El manantial de la doncella (1959)
36. El rito (1969) (película para tv)
46. Mi isla, Farö (1979) (documental)
7. Eva (1948)
17. Noche de circo (1953)
27. El ojo del diablo (1960)
37. La pasión de Anna (1969) (primer película a color)
47. De la vida de las marionetas (1980)
8. Prisión (1949)
18. Una lección de amor (1954)
28. Como en un espejo (1961)
38. Documento sobre Fårö (1970) (documental)
48. Fanny y Alexander (película estrenada en cine y televisión)
9. La sed (1949)
19. Sueños (1955)
29. El jardín de las delicias (1961)
39. El contacto (1971) (única experiencia hollywoodense)
10. Hacia la felicidad (1950)
20. Sonrisas de una noche de verano (1955)
30. Los comulgantes (1962)
40. Gritos y susurros (2972)








Jacques Tati
Por Jorge Le Brun

En una encuesta realizada en 1996 por la revista Entertainment Weekly sobre los mejores directores de la historia, Jacques Tati fue colocado en el lugar 46; nada mal para un sujeto con una filmografía de 6 largometrajes, considerado uno de los mayores genios de la comedia en el cine. Es reconocido por todo tipo de cineastas y debo admitir, soy un neófito de este singular personaje que también destacó como actor. Hijo de un aristócrata ruso, nació en Francia en 1907, y su nombre en realidad era Jacques Tatischeff, antes de convertirse en actor, mimo, payaso, y maestro burlesco del cine francés. Sus filmes en última instancia, son colecciones de gags y situaciones cómicas, y al mismo tiempo, poseen un contenido crítico a la sociedad moderna tecnologizada (de lo que estaba muy en contra). Como continuación de Charles Chaplin o Buster Keaton, planteó un estilo muy personal, entre la tradición muda y lo que sería la vanguardia; defendido y querido por la Nouvelle vague.

Su casa representa bien su corto cine; sus temas recurrentes, como en Playtime (1967) y Trafic (1971); la obsesión occidental por el estatus que te dan los bienes materiales, especialmente el consumismo al estilo americano, la superficialidad de las relaciones entre las diferentes clases sociales de Francia, y de la naturaleza fría y, a veces poco práctica de la tecnología. Uno de sus grandes aportes es la invención e interpretación de Mousier Hulot, inadaptado que chocaba una y otra vez (de forma cómica) contra este mundo cada vez más impersonal. También dijo Pedro Adrián Zuluaga que se le puede atribuir el innovar la función del sonido en la imagen, de introducir el sonido en el modo de ser de lo cómico, haciendo de los ruidos verdaderos personajes, y a la inversa, haciendo que las personas entren en conversación por medio de ruidos en lugar de los diálogos; extrajo de la voz humana la fonación, es decir, la entonación y el murmullo como sonido vitales.

Los largometrajes de su filmografía, son:

1. Día de fiesta (1949)
2. Las vacaciones del Sr. Hulot (1953)
3. Mi tío (1958)
4. Playtime (1967)
5. Trafic (1971)
6. Parade (1974)







Jim Jarmusch

Por Víctor G. Gándara


A Jarmusch lo conocí por su Only Lovers Left Alive (2013); me dejó tan fascinado que me di a la tarea de indagar en su filmografía, aunque debo decir que (de lo visto) no encontré alguna con el tamaño de Sólo los amantes sobreviven… será mi percepción. A pesar de mis desidias sé que es bien valorado entre los críticos.

Nació en Ohio, Estados Unidos. Quizá heredó el gusto por el séptimo arte de su madre, quien escribía críticas de cine; aunque su principal interés durante la adolescencia fue la literatura. Durante su último año en la universidad colaboró para el director de cine Nicholas Ray y usó los fondos de su beca para filmar su primer largometraje: Permanent Vacation (1980), mismo que presentaría como proyecto final de su universidad, pero le fue rechazado. Su segundo film, Stranger Than Paradise (1984), sí recibió elogios de la crítica y obtuvo un premio en Cannes. Así se catapultaría como un importante realizador de cine independiente moderno.

Sus películas se caracterizan por su ritmo pausado y sencillez. La contemplación y el silencio son tal vez sus personajes principales: invisibles mas casi siempre ahí, en el acecho. Hacedor de personas melancólicas y reflexivas; taciturnas, calladas, pero siempre pensantes.

Si de otros directores he dicho que no son para cualquiera, éste se brinca la barda. Uno no puede hacer palomitas y poner una peli suya esperando pasarla bomba, porque no será así. Pero es una buena opción si tienes el hábito de indagar todo tipo de cine y no eres un fanático del entretenimiento convencional.

Sus largometrajes hasta hoy son:

1. Permanent Vacation (1980)
5. Night on Earth (1991)
9. Broken Flowers (2005)
2. Stranger Than Paradise (1984)

6.  Dead Man (1995)
10.  The Limits of Control (2009)
3. Down by Law (1986)


7. Ghost Dog: The Way of the Samurai (1999)
4. Mystery Train (1989)


8. Coffee and Cigarettes (2003)









Joel y Ethan Coen

Por Víctor G. Gándara


Cuando conocí a Charles Bukowski (su obra, claro) pensé que si le adaptasen al cine debía ser a cuenta de los Coen; dudo que exista director (s) más oportuno para ello. Aunque las influencias de los hermanos parecen caer más bien en la novela y cine negro, la tragicomedia y el humor de sus pelis tienen un matiz muy parecido al del escritor.

Los 17 filmes en su haber llevan un sello característico; lo anterior parece una obviedad, pero -si bien los directores tienen sus marcas y manías- el estilo de los Coen es fácilmente identificable, como sucede con un Tarantino, Scorsese o Woody Allen, por citar algunos. Otros sólo son dilucidados por los más expertos.

En el seno de una familia judía, nacieron Joel y Ethan Coen en el 54 y 57 respectivamente (oriundos de Estados Unidos). Rodaron su primera película en 1984, obteniendo grandes elogios tan pronto se estrenó. Ganaron su primer oscar por Fargo (1996) a mejor guión original y obtuvieron el premio máximo de la Academia en 2008 por No country for old men (una de mis favoritas). Ésta última, por cierto, solamente contiene 16 minutos de música, sin embargo su ritmo no se ve afectado por la ausencia de la misma; a mi parecer fue un gran acierto por parte de los directores.

El cine de entretenimiento pocas veces es inteligente, pero los Coen logran hacerlo con maestría perspicaz.

Sus largometrajes hasta hoy son:

1. Blood Simple (1984)
7. The Big Lebowski (1998)
13. Burn After Reading (2008)
2. Raising Arizona (1987)


8.  O Brother, Where Art Thou? (2000)
14.  A Serious Man (2009)
3. Miller’s Crossing (1990)


9. The Man Who Wasn’t There (2001)
15. True Grit (2010)
4. Barton Fink (1991)


10. Intolerable Cruelty (2003)
16. Inside Llewyn Davis (2013)
5. The Hudsucker Proxy (1994)


11. The Ladykillers (2004)
17. Hail, Caesar! (2016)
6. Fargo (1996)
12. No Country for Old Men (2007) 








Krzysztof Kieślowski

Por Víctor G. Gándara


Polaco de nacimiento, Kieslowski es tal vez uno de los mejores directores que ha dado el cine de su país (incluso el mundo). Ovacionado por su Decálogo: un compendio de metrajes (10), cada uno alusivo a un mandamiento (de acuerdo a la religión católica). El decálogo integra una fuerte carga psicológica y representa una visión más filosófica y menos fundamentalista de los mandamientos. También recordado por su trilogía del color (Rojo, Blanco y Azul) estrenadas entre 1993 y 1994; es una alusión a la bandera francesa y tal vez su trabajo más representativo. O la excelsa Doble vida de Verónica (1991) que, como toda su obra, ofrece música sublime.

Kieslowski es la clase de director que se distingue por la poética visual de sus trabajos. Para desgracia de quienes admiramos su trabajo, murió antes de terminar de escribir su última trilogía, una adaptación de La divina comedia. Tal vez en algún tiempo (si no es que ya) podríamos referirlo como uno de los directores más influyentes de la historia del cine.

Los largometrajes de su filmografía, son:

1. La cicatriz (1977)
5. No matarás (1988)
9. Blanc (1994)
2. El aficionado (1979)


6.  No amarás (1988)
10.  Rouge (1994)
3. Sin final (1985)


7. La doble vida de Verónica (1991)

4. El azar (1987)


8. Bleu (1993)








Lars Von Trier

Por Víctor G. Gándara


Polémico y transgresor por excelencia. El danés Lars von Trier es uno de los directores más raros de la actualidad, su singularidad le ha otorgado tanto detractores como seguidores. Estudió en la Escuela Nacional de Cine de Dinamarca y, apenas debutó con su Forbrydelsens Element (1983), fue reconocido en Cannes.

Tristemente suele recordársele más por sus controversias que por su obra en sí, y es que no sólo sus filmes dan de qué hablar, sino su comportamiento fuera del set. En 2011 fue declarado persona non grata en el festival de Cannes (siendo expulsado, por consiguiente), tras haber hecho declaraciones de contenido sensible respecto Hitler y la comunidad judía; y aunque luego pidió disculpas y explicó la intención de su comentario, no reivindicó su posición frente a los ojos de muchos.

Gran parte de su filmografía está hecha con cámara al hombro e iluminación natural y se une al grupo de los anti convencionalistas. Es el tipo de realizador aclamado o demeritado; hábil en el insolente arte de la crudeza. Su último film, Nymphomaniac (2013), expone varias escenas de sexo gráfico, aunque no es  precisamente el tema central del largometraje, de hecho integra la llamada trilogía de la depresión, incorporándose también Melancolía (2011) y Anticristo (2009); las tres estelarizadas por la francesa Charlotte Gainsbourg. Aunque tal vez su película más reconocida es Dancer In The Dark (2000), acreedora de la Palma de Oro. 

A von Trier tampoco hay que tomárselo a la ligera, pocas veces nos topamos directores no protocolarios que buscan darle a su obra un sentido más allá del explícito, éste es uno de ellos, pero hay que tener estómago para él (sobre todo para sus últimos trabajos). Y si bien, ser poco convencional y transgresor no es un referente automático de calidad, Lars von Trier me parece un cineasta con las suficientes aptitudes para trascender. 

Sus largometrajes hasta hoy son:

1. El elemento del crimen (1984)

6. Bailando en la obscuridad (2000)
11. Anticristo (2009)
2. Epidemic (1987)


7. Dogville (2003)
12. Melancolía (2011)
3. Europa (1994)


8. Las cinco condiciones (2003)
13. Nymphomaniac  (2013)
4. Rompiendo las olas (1996)

9. Manderlay (2005)

5. Idioterne (1998)
10. El jefe de todo esto (2007)








Michel Gondry
Por Jorge Le Brun

Los expertos suelen citarlo como uno de los representantes (junto a Spike Jonze y David Fincher) de la influencia de los directores de vídeos musicales en la industria fílmica; es menos gente la que se dio cuenta que fue pionero en utilizar la técnica conocida como “bullet time”, que encontraría la fama en la saga The Matrix, pero fue usada por vez primera en un comercial de vodka en donde los Rolling Stones tocaron el tema de Bob Dylan, Like a Rolling Stone. En los años 80s y tras pasar por una escuela de arte parisina, Gondry formó parte como baterista del grupo pop Oui Oui, paso efímero al durar solo hasta inicios de los 90s; fue en esta década donde llamó la atención por su producción de videoclips y anuncios publicitarios, rodando videos para gente como Bjork, Chemical Brothers, The Rolling Stones, Beck, Foo Fighters, White Stripes, Lenny Kravitz, Radiohead o Massive Attack.

Puede verse en la arquitectura de esta casa aquellos temas recurrentes en la filmografía de Gondry, y claro, una arquitectura que evoca a La science des rêves (La ciencia de los sueños 2006). Los tópicos de su obra suelen ser de carácter emotivo, cursi diría alguien; la familia, los recuerdos de infancia, la personalidad, los sueños y la naturaleza; pueden verse claramente; películas como Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004) tienen todo esto. Su cine está abordado de forma sensible y en sus puestas en escena encontramos un particular tratamiento de lo material, en la interacción del personaje con los objetos de su rededor o cuando éstos cambian sus proporciones o el tamaño en relación a las personas con las que interactúan.

Los largometrajes de su filmografía hasta el día de hoy, son:

1. Human Nature (2001)
9. Is the Man Who Is Tall Happy? (2013) (documental)
2. Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004)
10. L'ecume des jours (2013)
3. Dave Chappelle's Block Party (2005) (documental)
11. Microbe & Gasoline (2015)
5. Be Kind Rewind (2008)
6. The Thorn in the Heart (2009) (documental)
7. The Green Hornet (2011)
8. The We and the I (2012)







Michelangelo Antonioni
Por Jorge Le Brun

Cineastas como Akira Kurosawa, Stanley Kubrick, Andrei Tarkovsky, Miklós Jancsó lo consideran como uno de sus directores predilectos. Cursó estudios de economía en la Universidad de Ferrara y de Cine en Bolonia. Su carrera se inició como crítico cinematográfico, guionista, ayudante de dirección; también hizo trabajos como documentalista y escritor de cuentos. Al igual que Ingmar Bergman (y también murieron el mismo día), su cine trata cuestiones existenciales, pero su perspectiva es hacia la contemporaneidad, abordó temas como la incomunicación entre las personas, la dificultad para establecer relaciones y sobre todo, la soledad del individuo en una sociedad deshumanizada; su premisa recurrente es con personajes que sufren de aburrimiento y cuyas vidas están vacías y carentes de propósito o los que van por la búsqueda de riqueza material; al día de hoy, el cine de Antonioni es objeto de un renovado culto e influencia entre artistas contemporáneos, principalmente en el modo de filmar los silencios y tiempos muertos, propios de un mundo desencantado.

Esta bella arquitectura se encuentra Más allá de las nubes (Al di là delle nuvole 1995), esplendido edificio al estilo de El Eclipse (L'eclisse 1962) una de las partes de su trilogía sobre el "malestar moderno" junto a La aventura (1960) y La noche (1961). Reconocido para muchos por sus tomas largas; para algunos interesantes y para otros, aburridas; Orson Welles, Francois Truffaut, y el mismo Ingmar Bergman lo consideraron tedioso; el hombre generó opiniones divididas entre grandes maestros, hay espacio para todos, como él mismo dijo  “A mí modo de ver, todo director debería tratar (como lo han hecho, por lo demás, todos los grandes directores) de reinventar por su cuenta la prosa cinematográfica. Hace ya mucho que en el cine se escribe del mismo modo, con la misma técnica”.

Los largometrajes de su filmografía, son:

1. Crónica de un amor (1950)
9. Blow-up (1966)
2. Los vencidos (1952)
10. Zabriskie Point (1970)
3. La señora sin camelias (1953)
11.  Chung Kuo - La China (1972) (documental)
4. Las amigas (1955)
12. El reportero (1975)
5. El Grito (1957)
13. El misterio de Oberwald (1981)
6. La Aventura (1960)
14. Identificación de una mujer (1982)
7. La Noche (1961)
15. Más allá de las nubes (1995) (codirigida con Wim Wenders)
8. El desierto rojo (1964)
16. Eros (2004) (hizo un segmento)







Peter Greenaway
Por Jorge Le Brun

“Estoy seguro de que mis nietos se preguntarán qué era eso”, comenta en referencia a la muerte del cine que considera a llegado con las nuevas tecnologías el realizador británico Peter Greenaway, una de las figuras más importantes que ha surgido del séptimo arte en su país y a finales del milenio pasado. Greenaway estudios en el Walthamstow College of Art, donde se matriculó como artista plástico. Su cariño por el cine nació cuando se interesó por las obras de Antonioni, Bergman, Godard, Pasolini, y Serguei Eisestein (quien para Peter fue el más grande). Todo esto de forma particular cuando tenía una carrera desarrollada en la pintura, que influyó en su forma particular de hacer películas. Uno de estos elementos es su postura abiertamente racional a grado académico, en la que hay toda una reflexión sobre la evolución de los estilos artísticos articulando una especie de “ensayo cinematográfico” sobre la historia del arte, contrastando con la idea del cine como la famosa “fábrica de sueños” afirmada por Hollywood.

Su casa es de lo más fílmica, se caracteriza por la clara influencia de su faceta como pintor, el renacimiento, el flamenco y el barroco de la pintura en particular; su cine es “una especie de pintura con banda sonora”, como se pueden ver en obras como The Belly of an Architect (1987) o The Cook, the Thief, His Wife & Her Lover (1989). Rasgos comunes en sus películas son la composición escénica e iluminación y los contrastes: el vestuario y la desnudez, la naturaleza y la arquitectura, los objetos y la gente, el placer sexual y la dolorosa muerte (en este último tema el mismo afirma que solo del sexo y la muerte se puede hablar en realidad); un clérigo de Eros y Tánatos. El trabajo de Greenaway propone una nueva etapa en el cine, su “cubismo”, es decir, la descomposición y recomposición de los elementos visuales, espaciales y temporales en la dinámica fílmica, con un trabajo casi siempre de tipo experimental en su idea de cine y pintura en uno.

Los largometrajes de su filmografía hasta el día de hoy, son:

1. The Falls (1980)
9. The Pillow Book (1996)
2. The Draughtsman's Contract (1982)
10. 8½ Women (1999)
3. A Zed & Two Noughts (1985)
11. The Tulse Luper Suitcases, Part 1: The Moab Story (2003)
12. The Tulse Luper Suitcases, Part 2: Vaux to the Sea (2004)
5. Drowning by Numbers (1988)
13. The Tulse Luper Suitcases, Part 3: From Sark to the Finish (2004)
6. The Cook, the Thief, His Wife & Her Lover (1989)
14. Nightwatching (2007)
7. Prospero's Books (1991)
15. Goltzius and the Pelican Company (2012)
8. The Baby of Mâcon (1993)
16. Eisenstein in Guanajuato (2015)







Riddley Scott

Por Víctor G. Gándara


Tal vez Ridley Scott sea uno de los directores más multifacéticos, pues no solo se identifica por sus bien amadas Science fiction (dígase Blade Runner, Alien), su cine integra géneros muy distintos entre sí: bélico, fantástico, épico, thriller psicológico, drama, de época, crimen, acción y hasta una road movie. Tal vez por ello sea más difícil identificar sus películas (obviando las más reconocidas, claro), comparado con un Burton o Anderson, pero eso no exceptúa su sello de distinción, Scott es un creador de ambientación y posiblemente sea de los mejores en la materia.

Estudió en Royal College of Art de Londres y trabajó en sus inicios para la BBC, asimismo realizó cientos de comerciales. El trabajo de Scott le ha valido tres nominaciones al oscar, obteniendo uno a mejor director por Gladiador (2000). Es pues, otro realizador con más de una película icónica en su filmografía; la exitosa Gladiador ocupa una lista donde también se hallan Blade Runner (1982), Alien (1979), Black Hawk Down (2002), Thelma y Louise (1991), Hannibal (2001) y más recientemente The Martian (2015), entre otras.

Scott es de los pocos directores que pueden presumir haber hecho películas icónicas y que, a la vez, algunas se convirtiesen en verdaderas obras de culto cuyo universo dé para más material: el caso más claro es Alien.    

Sus largometrajes hasta hoy son:

1. Los duelistas (1977)

9. Tormenta blanca (1996)
17. American Gangster (2007)
2. Alien (1979)


10.  La teniente O’ Neil (1997)
18. Red de mentiras (2008)
3. Blade Runner (1982)

11. Gladiador (2000)
19. Robin Hood (2010)
4. Legend (1985)


12. Hannibal (2001)
20. Prometheus (2012)
5. La sombra del testigo (1987)


13. La caída del Halcón Negro (2002)
21. The Counselor (2013)
6. Black Rain (1989)
14. Los impostores (2003)
22. Exodus (2014)
7. Thelma y Louise (1991)
15. El reino de los cielos (2005)
23. The Martian (2015)
8. 1492 (1992)
16. Un buen año (2006)








Stanley Kubrick
Por Jorge Le Brun

Fotógrafo sin estudios formales de cine, logró el tan ansiado control total sobre sus películas, con el fin proteger su visión fílmica, participando en cada etapa de la producción de una cinta. Judío del Bronx, nacido de una familia clase media, desde muy joven se interesó en la fotografía, el jazz (la música) y el ajedrez, posteriormente se fascinaría por el trabajo del director alemán Max Ophüls de quien tomaría el perfeccionismo en sus propias fotografías (bueno, si jugaba ajedrez ya era frío y quisquilloso). Entre los directores que sin duda pueden rebatir lo que digo acerca de Hitchcock está Stanley Kubrick, uno de los “monstruos” del siglo XX, obsesivo, distante, controvertido, endiosado (esto ya no tanto), pónganle el adjetivo que quieran, su influencia en el cine contemporáneo es enorme y difícil de definir en su real dimensión.

La casa de Kubrick hace principalmente referencia a su famosa 2001: A Space Odyssey (1968), quizá la película más revolucionaria de la ciencia ficción hasta el día de hoy, hogar elegante, hasta cierto punto armoniosa (no tanto como Kubrick hubiera querido), pero lo suficiente como para no quedarse atrapados por El Resplandor (The Shinning 1980) del Hotel Overlook; del lado superior a la derecha puede verse una figura encapuchada similar a los de la sociedad retratada en  Eyes Wide Shut (1999); me gusta pensar que la base de la casa es un bunker como los de Full Metal Jacket (1987), entre otras cosas. Las películas de Kubrick que son principalmente visuales pueden ser ejercicios personales pero a la vez parte de la cultura popular, caen en los gustos de todos, un innovador en la fotografía, pero también en la música, incorporando tanto las melodías de la época de la película en turno o algunos clásicos, así como también emplear los aportes de la electrónica. Él evitaba poner su punto de vista en las obras y eso no le impidió fundirlas con su personalidad a la hora de crear imágenes; sin duda el líder de la ola conocida como “New Hollywood”.

Los largometrajes de su filmografía, son:

1. Fear and Desire (1953)
9. A Clockwork Orange (1971)
2. Killer's Kiss (1955)
10. Barry Lyndon (1975)
3. The Killing (1956)
11. The Shining (1980)
4. Paths of Glory (1957)
12.  Full Metal Jacket (1987)
5. Spartacus (1960)
13. Eyes Wide Shut (1999)
6. Lolita (1962)
7. Dr. Strangelove (1964)
8. 2001: A Space Odyssey (1968)







Tim Burton

Por Víctor G. Gándara


Tim Burton es recordado por películas icónicas como Beetlejuice (1988), Batman (1989), Edward Scissorhands (1990), A Nightmare Before Christmas (1993), entre otras. Los más jóvenes tal vez se familiaricen más con Alicia en el país de las maravillas (2010) o Sombras Tenebrosas (2012). Todas caracterizadas por su mágica obscuridad y esos personajes tan perturbados como fascinantes, integrando un universo de penumbras y telarañas, es decir, el seño de identidad de Burton.

Y sí, él también suele tener obsesión con ciertos actores (Por no decir Johnny Depp). La regularidad de Depp en sus películas es tanta que suelen hacerse chistes irónicos al respecto, como preguntar: ¿cuál es esa película de Burton donde actúa Johnny Depp? Algunos creen que todos son el mismo personaje pero con distinto disfraz; lo cierto es que esta mancuerna es quizá la más popular en el mundo del cine.

Un punto a su favor es la musicalización de sus obras, aunque el mérito es de sus compositores ha sabido elegir correctamente; Danny Elfman, su máximo colaborador, nos regaló música tan bella como la usada en El cadáver de la novia (2005), o piezas épicas como la de Batman.

Burton es un director que vale la pena descubrir, me refiero a la importancia de escudriñar en su obra si apenas conoces una parte. Su infancia e influencias es información que sazona muy bien la visión de su cine. Y aunque de un tiempo para acá -coinciden algunos- ha tenido un declive creativo, cuenta con realizaciones muy bellas y no tan reconocidas, como Vincent (un corto animado stop motion basado en un poema del mismo Burton). Y la mejor de todas, a mi parecer: Big Fish.

Sus largometrajes hasta hoy son:

1. La gran avenutra de Pee-wee (1985)

7. Ed Wood (1994)
13. Corpse Bride (2005)
2. Beetlejuice (1988)


8.  Mars Attacs! (1996)
14.  Sweeney Todd (2007)
3. Batman (1989)


9. Sleepy Hollow (1999)
15. Alicia en el país de las maravillas (2010)
4. Joven manos de tijera (1990)


10. El planeta de los simios (2001)
16. Sombras tenebrosas (2012)
5. Batman regresa (1992)


11. Big Fish (2003)
17. Frankenweenie (2012)
6. El extraño mundo de Jack (1993)
12. Charile y la fábrica de Chocolates (2005)
18. Big Eyes (2014)







Wes Anderson

Por Víctor G. Gándara


Anderson se une a la lista de directores que no fueron a la escuela de cine; estudió filosofía en su estado natal Texas. Conoció a Owen Wilson en la universidad y colaboraron desde los primeros largometrajes de Wes, alianza que muy pronto los llevó a ser nominados al oscar por mejor guión en The Royal Tenenbaums (2001).

Al igual que otros directores Anderson tiene sus actores fetiche, siendo Bill Murray el más participativo, convirtiéndose básicamente en un sello de distinción para el director (obviando más características, claro). Otros artistas recurrentes son Jason Schwartzman, el ya mencionado Owen Wilson y últimamente Adrien Brody.

Anderson ha conseguido lo que pocos: sus películas pueden ser identificadas con sólo visionar un fragmento, pues todas parecen tener una sola alma. Se trata de un realizador meticuloso, devoto de la estética, el detalle y la simetría. Ver cine de Anderson es como leer un libro en la pantalla, una aventura literaria sin infantilismo y con despuntes de humor negro.

Muchos opinan que ya debió haberse llevado el máximo galardón de La Academia, aunque sabemos que la calidad de una película no necesariamente se mide en cuántos oscares tiene, el mismo Hitchcock (sin intención de compararlo con el primero) nunca lo ganó. Así que nuestro joven genio puede sentirse tranquilo.

Sus largometrajes hasta hoy son:

1. Ladrón que roba a ladrón (1996)
4. La vida acuática con Steve Zissou (2004
7. Moonrise Kingdom (2012)
2. Rushmore (1998)

5.  Viaje a Darjeeling (2007)
8.  Gran Hotel Budapest (2014)
3. The Royal Tenenbaums  (2001)


6. Fantastic Mr. Fox (2009)









Wim Wenders
Por Jorge Le Brun

Uno de los “herederos” del “Nuevo Cine Alemán”, a veces marginal o a veces nombrado con el apelativo de líder; en una carrera con ya algunas décadas, Win Wenders es uno de los directores más reconocidos de la contemporaneidad por sus premios internacionales y por la fotografía de sus filmes. Era una perra indecisa, después de estudiar dos cursos de medicina, uno de filosofía e incluso considerar el sacerdocio, decide cambiar nuevamente la virada y se matricula en la Escuela Superior de cine de Munich. De joven, Wenders pasó años estudiando y escribiendo crítica de cine en algunos diarios, y produciendo y dirigiendo cortometrajes hasta llegar a Summer in the City (1970), su opera prima.

La peculiar arquitectura del hogar de Wender evoca a Alicia en las ciudades (Alice in den Städten, 1973) o a París, Texas (1984) a mi torpe parecer; su obsesión, el trasfondo político, histórico, social y claro, los fantasmas que origina de la República Federal alemana, donde tiende a explorar la americanización de la Alemania de posguerra y la presencia estadounidense en el inconsciente europeo. Las películas de este director destacan por su fotografía haciendo énfasis en las imágenes de paisajes desolados; imágenes cuyos temas principales evocan la memoria, el tiempo, las pérdidas, la nostalgia y los ciclos de la vida, sin duda un director dedicado a los paisajes exteriores, en donde los elementos arquitectónicos de las ciudades se suelen establecer como el motivo más común. De los directores que conocí al hacer este ejercicio, y de los que aún tengo que conocer más, como él mismo dijo ““El viajero es alguien que comienza un viaje y no sabe cuándo lo va acabar”.

Los largometrajes de su filmografía hasta el día de hoy, son:

1. Verano en la ciudad (1970)
9. El hombre de Chinatown (1982)
17. Historias de Lisboa (1994)
25. Tierra de abundancia (2004)
2. El miedo del arquero al tiro penal (1972)
10. El estado de las cosas (1982)
18. Más allá de las nubes (1995) (codirigida con Michelangelo Antonioni)
26. Llamando a las puertas del cielo (2005)
3. La letra escarlata (1973)
11. París, Texas (1984)
19. Los hermanos Skladanowsky (1995)
27. Invisibles (2007) (documental) (hizo un segmento)
4. Alicia en las ciudades (1974)
12. Tokio-Ga (1985) (documental)
20. El final de la violencia (1997)
28. To Each His Own Cinema (2007) (hizo un segmento)
5. Falso movimiento (1975)
13. Cielo sobre Berlín (1987)
21. Buena Vista Social Club (1999)(documental)
29. Palermo Shooting (2008)
6. En el curso del tiempo (1976)
14. Notebook on Cities and Clothes (1989)
22. El hotel del millón de dólares (2000)
30. Pina (2011) (documental)
7. El amigo americano (1977)
15. Hasta el fin del mundo (1991)
23. Ten Minutes Older (2002) (hizo un segmento)
31. La sal de la tierra (2014) (documental)
8. Relámpago sobre el agua (1980) (doculmental) (codirigida con Nicholas Ray)
16. ¡Tan lejos, tan cerca! (1993)
24. El alma de un hombre (2003) (documental)
32. Todo saldrá bien (2015)








Zhang Yimou
Por Jorge Le Brun

Máximo representante de la escuela de cine china contemporánea; Yimou es el más occidental (¿O más universal?) de los cineastas chinos y uno de los que estoy descubriendo, bueno a excepción de sus títulos más comerciales. Tras tener que abandonar sus estudios por sucesos políticos que desembocaron en su país, trabajar durante 10 años como obrero agrícola y más tarde en una fábrica de textiles de algodón como operario, cuando ya tenía 28 años, fue cuando se en barca en su aventura e ingresó en la Academia de Cine de Pekín; empezando una carrera fílmica a una edad mayor que la que muchos hubieran imaginado empezar. Tras graduarse, empezó a trabajar como fotógrafo, dibujante y posteriormente como operador de cámara en producciones. Su cine tiene una gran técnica en el plano fotográfico; su obra ocurre en un universo que se encuentra dentro del drama simbólico de carácter costumbrista y rural en donde afirma que “la gente en la miseria es lo más importante del arte”.

Sorgo rojo (1987), La linterna roja (1991), La casa de las dagas voladoras (2004) y la más famosa, Heroe (2002) son algunos de los títulos que se transmiten en la arquitectura de su casa. El rojo (creo que se nota con el nombre de algunos títulos) es un color recurrente a lo largo de los cuadros. Un vanguardista, inventor de su propia forma de narrar, entre sus temas están la vida moderna china, “la China profunda" a través de un realismo crudo, y finalmente, la miseria y la lucha por la dignidad del hombre y en gran parte de su trabajo, por la mujer que generalmente es retratada por una luchadora incansable. Un revolucionario en su país (con las clasificaciones chinas no se juega) con gran reconocimiento internacional, y claro, si hay artes marciales y demás en sus películas.

Los largometrajes de su filmografía hasta el día de hoy, son:

1. Sorgo rojo (1987)
11. Happy Time (2000)
2. Daihao meizhoubao (1989)
12. Hero (2002)
3. La semilla de crisantemo (1999)
13. La casa de las dagas voladoras (2004)
4. La linterna roja (1991)
14. La búsqueda (2005)
5. Qiu Ju, una mujer china (1992)
15. La maldición de la flor dorada (2006)
6. ¡Vivir! (1994)
16. Movie Night (2007) (hizo un segmento)
7. La joya de Shanghai (1995)
17. Una mujer, una pistola y una tienda de fideos chinos (2009) (remake de Sangre fácil, de los hermanos Coen)
8. Keep cool (1997)
18. Amor bajo el espino blanco (2010)
9. Ni uno menos (1999)
10. El camino a casa (1999)
20. Coming Home (2014)